Filmszene. - Von Filmfans, für Filmfans

Frank-Michael Helmke 18. Juli 2024 - 9:50

Kurz-Kritik

Streaming

Disney+

Originaltitel

Young Woman and the Sea

Genre

Drama

Biografie

Land

Jahr

2024

Regie

Cast

Laufzeit

129 min

Release Date

19. Juli 2024

Bewertung

Walt Disney Pictures

"Die junge Frau und das Meer" erzählt die Geschichte von Trudy Ederle, in New York geborene Tochter deutscher Einwanderer, die im Jahr 1926 als erste Frau den Ärmelkanal durchschwamm und dadurch zu einer Ikone des Frauensports wurde. In typischer Biopic-Manier wird hier "basierend auf wahren Begebenheiten" natürlich so einiges verdichtet, variiert und dramatisiert. Trotzdem ist man in Sachen Faktentreue hier noch ziemlich nahe an der Wirklichkeit, vor allem im Vergleich mit Neflix' kürzlicher Fabulierstunde in der "Steffi & Andre Story". Kombiniert mit einer routinierten und sicheren Umsetzung in klassischer "Historisches Drama"-Art alter Schule ist der Film weit davon entfernt, seinem Genre irgendetwas Neues abzugewinnen, ist aber dennoch ein einnehmender Vertreter seiner Gattung, der vor allem von einem charismatischen Cast lebt.

Dieser wird angeführt von Daisy Ridley, weltbekannt als die Heldin der jüngsten "Star Wars"-Trilogie, die nun jenseits der weit, weit entfernten Galaxis ihr Filmkarriere in deutlich irdischeren Gefilden fortsetzen will - und hier als Trudy Ederle eine sehr überzeugende Vorstellung abgibt. Das größte Hindernis, das Ridley alias Trudy für ihren großen Traum einer Schwimmkarriere dabei überwinden muss, ist das dominante Patriarchat. Dieses "Mutige junge Frau muss sich gegen Vorurteile und Widerstände einer Männerwelt durchsetzen"-Schema ist zwar wahrlich nichts Neues mehr, wird hier aber dennoch - auch angesichts der Handlungszeit in den 1920er Jahren - glaubwürdig vorgetragen und wechselt oft genug seine Erzählfarbe zwischen komisch-absurd (beim ersten offiziellen Wettkampf von Trudys Schwimmverein stellen die männlichen Veranstalter vorsichtshalber ein paar Rettungsschwimmer bereit, falls die jungen Damen untergehen sollten) und tragisch-erzürnend, um sich nicht in Eintönigkeit zu verlieren. Dieser erste Teil des Films, in dem Trudy mit ihrem Kampfgeist und gemeinsam mit ihrer älteren Schwester die Begeisterung fürs Schwimmen entdeckt und die beiden sich dann viel und oft vergeblich gegen die Misogynie und ignorante Überheblichkeit der alles bestimmenden Männer aufzulehnen versuchen, ist dann tatsächlich auch der stärkste und emotional packendste des Films.

Wenn es dann über den Atlantik geht und der Film Trudys historische Ärmelkanal-Durchquerung dokumentiert, stößt "Die junge Frau und das Meer" fast zwangsläufig auf dramaturgische Schwierigkeiten. Ein 15 Stunden langer Schwimm-Marathon bietet naturgemäß wenig Potenzial für dramatische Zuspitzungen, und hier fehlt einfach die Chance auf einen alles entscheidenden, singulären Höhepunkt, wie ihn viele andere Sportfilme nutzen und melken können. Trotzdem bemüht sich der Film, aus seinem Finish die größtmögliche Menge an Spannung und Emotion rauszuholen. Aber seine Möglichkeiten sind halt begrenzt.

Am Ende steht eine effektiv erzählte Geschichte, die ihrer Protagonistin ein Denkmal setzen möchte, und darum auch gar nicht nach nennenswerten Tiefen in ihrem Charakter sucht. Angesichts von Trudy Ederles Lebensleistung ist das auch durchaus angebracht. Über ein Porträt ihres unermüdlichen und nicht klein zu kriegenden Kampfgeistes geht es aber halt auch nicht hinaus. "Die junge Frau und das Meer" ist ein inspirierender Wohlfühl-Film und will auch genau das sein. Ein bisschen glatt, aber auch wirklich hübsch anzusehen. Typisch Disney eben.

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junge Frau und das Meer, Die

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Meuterei auf der Bounty

matthias — Tue, 16 Jul 2024 05:30:36 +0000

Meuterei auf der Bounty

Matthias Kastl 16. Juli 2024 - 7:30

Originaltitel

Mutiny on the Bounty

Genre

Abenteuer

Drama

Land

Jahr

1935

Regie

Cast

Laufzeit

132 min

Release Date

8. November 1935

Bewertung

Warner Home Video

Die dramatische Geschichte der HMS Bounty bietet nahezu alles, was das Hollywoodherz begehrt. Exotische Locations, großes Abenteuer und noch größere menschliche Dramen – kein Wunder, dass das damals vor allem für aufwendige Prestige-Streifen bekannte Studio Metro-Goldwyn-Mayer hier zuschlug. Mit einem ordentlichen Budget und großen Stars ausgestattet sollte Regisseur Frank Lloyd (“East Lynne“, “Kavalkade“) auf Basis einer im Jahr 1932 erschienenen Buchvorlage für das Studio den Hit des Jahres produzieren. Eine Kalkulation, die angesichts des großen Erfolgs an der Kinokasse und der Auszeichnung als bester Film bei den Academy Awards 1936 mal so richtig aufging. “Meuterei auf der Bounty“ ist dank einer tollen Inszenierung, einem zwar nicht historisch korrekten, aber cleveren Drehbuch und vor allem drei unglaublich gut aufgelegten Stars wundervolles Blockbuster-Kino der alten Schule.

Ein Kapitän der ganz alten Schule ist wiederum der als sehr autoritär geltende William Bligh (Charles Laughton, “Das Privatleben Heinrichs VIII“, “Ein Butler in Amerika“) unter dessen Kommando im Jahr 1787 im britischen Portsmouth die HMS Bounty in See sticht. Ziel der auf zwei Jahre ausgelegten Reise nach Tahiti ist der Erwerb von wertvollen Stecklingen des Brotfruchtbaums. Die Fahrt zum Inselparadies entpuppt sich angesichts des harten Regiments von Bligh aber vor allem für den jungen Seemann Roger Byam (Franchot Tone, “Bengali“) als Tortur. Anfangs versucht der erfahrene Fletcher Christian (Clark Gable, “Es geschah in einer Nacht“) noch die Wogen an Bord zu glätten, verzweifelt aber bald ebenfalls an dem immer drastischere Strafmaßnahmen anordnenden Bligh. Die Stimmung an Bord gleicht bei der Crew so schon bald einem Pulverfass, doch Bligh denkt gar nicht daran von seiner harten Linie abzuweichen.

“Meuterei auf der Bounty“ ist ein schönes Beispiel dafür, wozu Hollywood in seinen besten Tagen in der Lage ist. Eine packend inszenierte epische Geschichte mit unglaublich charismatischen Stars, die sowohl das Publikum als auch die Kritiker begeisterte. Genau solch ein Ergebnis hatte man sich damals bei Metro-Goldwyn-Mayer erhofft, als man der Produktion mit knapp zwei Millionen Dollar ein für die damalige Zeit üppiges Budget zur Verfügung stellte. Zum Vergleich, der zeitgleich erschienene und ebenfalls auf den Weltmeeren spielende “Unter Piratenflagge“ musste mit nur der Hälfte des Geldes klarkommen. Die Macher des Errol-Flynn-Streifen versuchten dies damals unter anderem dadurch zu kaschieren, dass sie die einst aufwendig inszenierten Schiffsaufnahmen des von Frank Lloyd inszenierten Stummfilms “The Sea Hawk“ aus dem Jahre 1924 wiederverwerteten. Und genau dieser Frank Lloyd sitzt für “Meuterei auf der Bounty“ nun auf dem Regiestuhl.

Für “The Sea Hawk“ (“Der Seeteufel“) hatte Lloyd damals extra mehrere Schiffe in Originalgröße nachbauen lassen und auch mehr als zehn Jahre später lässt er nun eher klotzen statt kleckern. Mit viel Aufwand baute man gleich mehrere Schiffe extra für die Dreharbeiten um und segelte mit zweien von diesen sogar tatsächlich bis nach Tahiti, um vor Ort fleißig Filmmaterial zu sammeln. Zugegeben, die drei Hauptdarsteller waren da nicht mit an Bord und ein Teil des Materials findet in Form von heute sehr offensichtlich zu erkennenden Rückprojektionen den Weg in den Film. Doch abgesehen davon versprühen die hübschen Aufnahmen von Kameramann Arthur Edison, der später “Casablanca“ bildlich in Szene setzen sollte, schon sehr erfolgreich eine ordentliche Portion Exotik. Auch die Szenen an Bord der Schiffe sind dank der hochwertigen Ausstattung nett anzuschauen und so kommt hier schon rein optisch sehr schnell echtes Abenteuerfeeling auf.

Dass sich dieses Abenteuer dabei genauso relaxt wie spannend gestaltet liegt auch an der exzellenten Regie von Frank Lloyd. Der weiß, dass es eben nicht reicht, einfach nur die größeren Massenszenen souverän umzusetzen, sondern man vor allem auch Fingerspitzengefühl für ruhigere Charaktermomente beweisen sollte. Gerade in der ersten Hälfte gönnt Lloyd seinen Protagonisten am Schluss von Szenen immer wieder ein paar Extrasekunden Leinwandzeit. So bekommen sowohl diese als auch das Publikum genug Zeit um auch mal innezuhalten und über das gerade Geschehene reflektieren zu können. So verliert “Meuterei auf der Bounty“ bei all der Hektik an Bord nie die Charakterentwicklung aus den Augen, baut eine angenehme Tiefe auf und lässt einen als Zuschauer sehr schnell sehr nah an die Protagonisten rücken. Was auch dadurch vereinfacht wird, dass das Drehbuch sich sehr viel Zeit nimmt um seine Figuren zu entwickeln und auf clevere Art und Weise gerade das Dreiecksverhältnis zwischen Fletcher, Bligh und Byam immer interessanter gestaltet. Gerade der Wandel von Fletcher vom erst charmanten Vermittler zwischen den Fronten hin zum wütenden Widersacher Blighs ist überzeugend.

Man nimmt sich also erfreulich viel Zeit, um seine Story und Figuren zu entwickeln, während das Drehbuch dabei aber auch sehr effizient ohne ein Gramm unnötiges Storyfett daherkommt. Ein wenig Fett kriegt es hier aber trotzdem ab, denn historisch korrekt geht es in diesem jetzt nicht wirklich zu. Das liegt auch an der Buchvorlage, die (wie viele andere Werke der damaligen Zeit) Bligh zum fanatischen Bösewicht erklärt und Fletcher zum einfühlsamen Helden verklärt. Dabei war schon damals bekannt, dass die Wahrheit deutlich komplexer aussah. Während Bligh beileibe nicht der Tyrann war, für den er immer hingestellt wurde, lässt gerade das was über den historischen Fletcher Christian bekannt ist diesen in einem deutlich dunkleren Licht erscheinen. So richtig gerade gerückt wurde dies in Hollywood erst in der 1984er Verfilmung mit Mel Gibson und Anthony Hopkins. Aber dass der Version von 1935 diese spannenden Graubereiche fehlen lässt sich mit einem Blick durch die Entertainment-Brille ehrlich gesagt ziemlich gut verkraften.

Womit wir dann auch zum Sahnehäubchen auf dieser bereits sehr lecker anmutenden Hollywood-Torte kommen. Das Charisma unserer drei Hauptfiguren geht hier nämlich förmlich durch die Decke. Von Charles Laughton haben wir in dieser Reihe ja bereits oft geschwärmt und auch hier gibt er wieder einmal herrlich den autoritären Bösewicht. Derweil strahlen sowohl Clark Gable als auch Franchot Tone eine so wundervolle Mischung aus Coolness und Lausbubencharme aus, dass einem jedes Mal das Herz aufgeht wenn beide die Bühne betreten. Wenn Gable mit leicht offenem Shirt an der Reling lehnend verschmitzt in die Kamera grinst, dann steht einem das perfekte Abbild des klassischen Hollywoodstars gegenüber. Doch sowohl Gable als auch Tone nutzen ihr gutes Aussehen und ihren Charme nicht einfach nur zum Selbstzweck, sondern schaffen es immer wieder ihre Figuren auch verletzlich und nahbar zu machen.

Vor allem aber hat man auch nie das Gefühl, dass das Ego von irgendeinem der drei Hauptdarsteller hier droht Amok zu laufen. Alle drei stellen sich ganz in den Dienst der Geschichte und so ist jedes Aufeinandertreffen von und jeder Konflikt zwischen diesen Figuren einfach wundervolles Entertainment. So gut, dass gleich alle drei Darsteller für ihre Leistungen eine Oscar-Nominierung als bester Hauptdarsteller in dem Film einheimsten – bis heute einmalig in der Oscar-Geschichte. Leider machte man sich so allerdings selbst die Stimmen streitig und die Trophäe ging am Schluss an Victor McLaglen für seine deutlich weniger subtile Darstellung in “Der Verräter“. Die Academy wiederum realisierte, dass solch ein Szenario in Zukunft besser vermieden werden sollte und führte aufgrund dieser Erfahrung im Folgejahr die neuen Kategorien „Bester Nebendarsteller“ und “Beste Nebendarstellerin“ ein.

Das dem Film im Schlussakt ein klein bisschen die Puste ausgeht, Herbert Mundin in seiner Rolle als Comic Relief nur begrenzt funktioniert und die Einheimischen auf Tahiti etwas klischeehaft gezeichnet sind darf man zwar getrost als kleine Schwachpunkte bezeichnen, die aber angesichts der eindrucksvollen Stärken des Filmes nicht wirklich ins Gewicht fallen. Stattdessen feiern wir hier mit “Meuterei auf der Bounty“ ein wirklich wundervolles Exemplar des klassischen Abenteuerkinos aus der goldenen Zeit Hollywoods. Neben der bereits angesprochenen Version aus dem Jahr 1984 sollte 1962 übrigens eine weitere epische Verfilmung des Stoffes durch Hollywood folgen. Angeführt vom legendären Marlon Brando sichert sich diese Version ebenfalls eine Oscar-Nominierung für den besten Film, ohne allerdings nachher siegreich zu sein. Angesichts der großen Fussstapfen, die der Oscar-Gewinner von 1936 hier hinterlässt sind wir auf jeden Fall mal gespannt, ob uns in dieser Oscar-Reihe die Geschichte dann noch einmal so eindrucksvoll in den Bann ziehen wird.

"Meuterei auf der Bounty" ist aktuell auf Amazon Prime in Deutschland verfügbar. Alternativ ist der Film auch kostenlos im Internet Archive auffindbar.

Trailer zum Film

Fletcher vs. Bligh - Szene aus dem Film

Überblick 8. Academy Awards
Alle nominierten Filme der Kategorie “Outstanding Picture“ der achten Academy Awards 1936 nochmal auf einen Blick:

"Meuterei auf der Bounty" (10/10)
"Alice Adams" (5/10)
"Der Verräter" (6/10)
"David Copperfield" (8/10)
"Bengali" (9/10)
"Ein Butler in Amerika" (10/10)
"Tolle Marietta" (7/10)
"Die Elenden" (7/10)
"Ich tanz' mich in dein Herz hinein" (7/10)
"Broadway-Melodie 1936" (8/10)
"Unter Piratenflagge" (7/10)
"Ein Sommernachtstraum" (5/10)

Ausblick
In unserer nächsten Folge werden zum Start in die neunten Academy Awards im Jahr 1937 ebenfalls wieder Ozeane überquert – diesmal an der Seite eines sehr umtriebigen Abenteurers.

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Meuterei auf der Bounty

Sorting ABC

Das berühmte Geschichten im Kino nicht automatisch Kassengold garantieren hat die in unserer letzten Folge besprochene Shakespeare-Verfilmung “Ein Sommernachtstraum“ erleben müssen. Als ein wahrer Kassenschlager entpuppte sich im gleichen Jahr aber die mit Clark Gable und Charles Laughton prominent besetzte Verfilmung der berühmten Meuterei auf der Bounty. Und als ein perfektes Beispiel dafür, wie wundervoll Hollywood-Kino sein kann, wenn die Traumfabrik es schafft ihre größten Stärken auszuspielen.

Oscar

Nominiert "Outstanding Production"

MOH (64): 8. Oscars 1936 - "Meuterei auf der Bounty"

Spieleabend

frami — Fri, 12 Jul 2024 12:42:51 +0000

Spieleabend

Frank-Michael Helmke 12. Juli 2024 - 14:42

Streaming

Genre

Land

Jahr

2024

Regie

Cast

Laufzeit

92 min

Release Date

12. Juli 2024

Bewertung

Netflix

Das algorithmische Denken hinter Netflix' neuem deutschen Komödien-Versuch "Spieleabend" ist offensichtlich: Man nehme ein Kammerspiel-artiges Szenario mit rund einem halben Dutzend Figuren und lasse deren Dynamik aufeinanderprallen, bis die (möglichst komischen) Fetzen fliegen. Hat in Sönke Wortmanns "Der Vorname" und Bora Dagtekins "Das perfekte Geheimnis" ja recht erfolgreich funktioniert. Nach diesem Strickmuster hat der Comedy-Autor Claudius Pläging die sehr deutsche Institution des hier titelgebenden Spieleabends ausgewählt, um seinen Protagonisten Jan (Dennis Mojen) in eine Situation zu stoßen, die in ihren Grundzügen an den Komödienklassiker "Meet the Parents" erinnert. Nur dass Jan hier nicht seine Schwiegereltern in spe für sich einnehmen muss, sondern den Freundeskreis seiner neuen Freundin Pia (Janina Uhse) davon überzeugen will, dass er der Richtige für sie ist. Leider mangelt es hier an einem Antagonisten vom Kaliber eines Robert de Niro. Sowie den wichtigsten Zutaten, welche die bisher genannten Filme alle zu solchen Erfolgen machte: Hohes Tempo und große Gagdichte.

Besagter Jan, bodenständiger Inhaber eines Fahrradladens, wird hier jedenfalls etwas widerwillig von Pia in die protzige Villa von Pias bester Freundin und deren Mann mitgenommen, wo Jan sich in einem "Clash der sozialen Klassen" etwas unwohl fühlt. Erst recht, als sein eigentlicher Widersacher auftaucht - Pias Exfreund Mathias, der offenbar mit ihrer Beziehung noch nicht ganz abgeschlossen hat und Jan in einem möglichst schlechten Licht dastehen lassen will.

Bis wir an diesem Punkt angelangt sind, ist bereits über eine halbe Stunde des Films vergangen, in der es nur zwei wirklich gelungene weil recht überraschende Lacher gegeben hat. Der Rest der Laufzeit wurde mit seicht vor sich in plätscherndem Setup verbracht. Das Problem: Viel mehr Tempo wird "Spieleabend" auch im weiteren Verlauf nicht hinlegen. Als zum Mittelpunkt endlich das Spiel auf den Tisch kommt, das offensichtlich dramaturgisch dazu gedacht ist, die angelegten Konflikte hochkochen zu lassen und die Dynamik innerhalb der Figurenkonstellation auszuschlachten, ist dieses kurzzeitige Zimmer-Feuerwerk dann leider auch ziemlich schnell und wenig einfallsreich abgebrannt. "Wenig einfallsreich" ist dann auch eine Grundfeststellung für den Humor des gesamten Films, der sich allzu oft verlässlicher, zotiger Elemente bedient (kopulierende Hunde? Peniswitze? Menschen, die in Kotze treten? Check, check, check), als sich auf die Suche nach originellem Humor zu machen, der wirklich etwas mit seinen Figuren zu tun hat.

Trotz seiner an sich recht schlanken Laufzeit von nur 92 Minuten nimmt "Spieleabend" zu keinem Zeitpunkt so richtig Fahrt auf. Nicht nur, dass er deutlich länger als seine offensichtlichen Vorbilder braucht, um überhaupt etwas in Schwung zu kommen. Der Film scheint einfach irgendwie nie richtig aufs Gas zu treten, und lässt viel zu wenige potenzielle Konflikte innerhalb seines Figurenkarussells vernünftig eskalieren, so dass nie wirklich Zunder in die Bude kommt. Es ist dann auch symptomatisch, dass "Spieleabend" für sein "dramatisches" Finale seinen Kammerspiel-Schauplatz verlässt und sich extern eine Zuspitzung zurechtkonstruiert, weil er mit seinem Grundszenario und der Dynamik zwischen seinen Figuren einfach zu wenig anzufangen weiß.

Das Ganze ist für einen anspruchslosen Filmabend daheim auf der Couch mit seinen leidlichen Amusement-Spitzen (Stichwort: Tischtennis) vielleicht noch ganz okay. "Spieleabend" ist damit aber halt auch nicht mehr als ein typischer Netflix-Film, deren eigene Ansprüche irgendwie nie über "ganz okay" hinauszugehen scheinen. Hier wäre jedenfalls gefühlt deutlich mehr drin gewesen.

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Spieleabend

Sorting ABC

Ein Sommernachtstraum

matthias — Tue, 09 Jul 2024 05:50:46 +0000

Ein Sommernachtstraum

Matthias Kastl 9. Juli 2024 - 7:50

Originaltitel

A Midsummer Night's Dream

Genre

Drama

Fantasy

Land

Jahr

1935

Regie

Cast

Laufzeit

133 min

Release Date

30. Oktober 1935

Bewertung

Warner Brothers

Die Bewunderung und Liebe für das Theater eint auch in der Filmbranche viele Regisseure und Schauspieler. So ist es kein Wunder, dass diese schon alleine beim Namen Shakespeare oft in Verzückung geraten. Dessen Stücke aber erfolgreich für das Medium Film aufzubereiten ist eine ziemlich große Herausforderung und ein noch größeres finanzielles Risiko. Kein Wunder, dass viele dieser Umsetzungen meist Herzensprojekte ihre Schöpfer sind. Im Gegensatz zum Theater lassen Shakespeares Stoffe im Kino nämlich jetzt nicht gerade die Kassen klingen, außer natürlich man unterzieht diese einer kompletten Rundumerneuerung (liebe Grüße an Baz Luhrmann).

Klassische Interpretationen haben dagegen einen schweren Stand an der Kinokasse und so scheiterte selbst der von Kenneth Branagh so meisterhaft umgesetzte “Hamlet“ einst daran seine Produktionskosten wieder einzuspielen. Ebenfalls enttäuschend schnitt im Jahr 1935 auch die Verfilmung von Shakespeares “Ein Sommernachtstraum“ an der Kinokasse ab. Warum das so ist lässt sich aber leicht erklären, denn trotz spürbarem Herzblut und jeder Menge Kreativität der Macher kommt die Hollywood-Interpretation am Ende ganz schön sperrig daher und ist wohl nur Fans des Originalstücks mit einem großen Faible für das klassische Theater zu empfehlen. Die dürften sich angesichts der sehr klassischen Interpretation des Stücks hier eher aufgehoben fühlen.

So herrscht, wie in der Originalvorlage, auch in der Filmversion zu Beginn am antiken Hof von Athen erst mal jede Menge Aufregung. König Thesus (Ian Hunter) plant für seine Vermählung mit der Amazonen-Königin Hippolyta (Verree Teasdale) nämlich ein spektakuläres Fest. Passend dazu gibt es im Umfeld der Hochzeitsplanungen aber auch jede Menge weiterer Eifersüchteleien am Hofe. So wird der jungen Hermia (Olivia de Havilland, “Unter Piratenflagge“) von ihrem Vater die Liebe zu Lysander (Dick Powell, “Flirtation Walk“, “Die 42. Straße“) verwehrt, da dieser seine Tochter lieber in den Armen von Demetrius (Ross Alexander) sehen möchte. Hermia flüchtet daraufhin gemeinsam mit Lysander in den angrenzenden Wald, dicht gefolgt vom enttäuschten Demetrius, dem wiederum die liebestrunkene Helena (Jean Muir) auf den Fersen ist.

Verkompliziert wird die Situation dieses Liebes-Quartetts dadurch, dass der Wald auch noch jede Menge magischer Geschöpfe beherbergt. Darunter vor allem den kleinen Puck (Mickey Rooney), der im Auftrag des Königs Oberon (Victor Jory) mit den vier Liebenden so seine Späße treibt. Derweil probt eine Laienschauspielgruppe rund um den Handwerker Bottom (James Cagney, “Here comes the Navy“) im Wald ein Theaterstück für die Hochzeit ein und gerade Bottom gerät schon bald “zwischen die Fronten“ und wird Teil einer wilden Verwechslungsorgie.

Im Fall von “Ein Sommernachtstraum“ lohnt sich der Blick auf die Vorgeschichte des Films und dabei vor allem die Rolle der beiden Regisseure. Da wäre auf der einen Seite Max Reinhard, der Anfang des 20. Jahrhunderts im deutschsprachigen Raum eine der berühmtesten Persönlichkeiten des Kulturlebens war. Gerade in Berlin hatte er mit besonders spektakulären Theaterproduktionen, die auf aufwendige Bühnenmaschinerie und viele Statisten zurückgriffen, für neuen Schwung in der Szene gesorgt. Einer der prägendsten Aufführungen war dabei eben genau jener Sommernachtstraum im neuen Theater am Schiffbauerdamm im Jahre 1905. Seine jüdische Abstammung zwang ihn nach vielen weiteren Erfolgen und der Gründung der Salzburger Festspiele schließlich nach der Machtergreifung Hitlers zur Flucht aus Deutschland. Was schließlich dazu führte, dass Reinhard im Jahr 1934 eine spektakuläre Aufführung von “Ein Sommernachtstraum“ in der berühmten Hollywood Bowl von Los Angeles umsetzen durfte – bereits mit Olivia de Havilland und Mickey Rooney in den gleichen Rollen wie im späteren Film.

Die epische Inszenierung des Theaterstücks ließ die Filmbranche aufhorchen und Warner Brothers sicherte sich dann auch umgehend Reinhards Dienste für die filmische Umsetzung des Stoffes. Da Reinhard aber kaum Englisch sprach stellte man ihm einen erfahren Filmregisseur zur Seite, der ihm als Dolmetscher und allgemeine Unterstützung dienen sollte. Diese Rolle fiel einem deutschen Regisseur zu, der einst in Deutschland an Max Reinhards Theater in Berlin seinen Durchbruch als Schauspieler geschafft hatte. Wilhelm Dieterle, der seinen Vornamen in den USA in William umtaufen ließ, hatte bereits in Berlin schon in “Ein Sommernachtstraum“ mitgespielt, sich dann aber immer mehr dem Medium Film gewidmet. Für seinen ersten Film als Regisseur hatte er dann auch gleich mal die junge Marlene Dietrich gecastet und nach kurzer Zeit weckten seine Arbeiten schließlich die Aufmerksamkeit Hollywoods. Den Ruf der Traumfabrik erhörte William Dieterle nur zu gerne und schon bald avancierte er zu einem der angesehensten Regisseure im Hause Warner Brothers. Heute ist sein Name nur noch Experten bekannt obwohl er mit “Ein Glöckner von Notre-Dame“ einen echten Klassiker der Filmgeschichte inszenierte und sein Biopic “Das Leben des Emile Zola“ sogar den Oscar für den besten Film gewann.

Womit dann auch deutlich wird, dass wir hier zwei Herren hinter der Kamera sitzen hatten, die wirklich genau wussten was sie taten und deren Endprodukt man das geflossene Herzblut definitiv auch ansieht. Womit es dann ein wenig schmerzt zu verkünden, dass der Film den Autor dieser Zeilen ziemlich kalt gelassen hat. Was aber, und das grenzt angesichts des Namens Shakespeares natürlich schon fast an Blasphemie, auch ein wenig an der Vorlage liegt. Jeder hat vermutlich ja so seine Lieblingsstücke des Altmeisters und für mich haben die sehr luftigen Liebesverwirrungen der High-Society-Protagonisten in “Ein Sommernachtstraum“ einfach nie an die dramatische Tiefe und Power eines Hamlets heranreichen können. Und leider schafft es der Film nicht meine Meinung in dieser Hinsicht zu ändern.

Man muss allerdings fair sein und erwähnen, dass die Filmversion von 1935 hier auch unter erschwerten Bedingungen antritt. Die klassischen Shakespeare-Dialoge nur im Original und ohne Untertitel sehen zu können ist für einen Nichtmuttersprachler doch teilweise eine Herausforderung – so manche Facetten von Shakespeares Wortgewandtheit gehen da natürlich verloren. Für viele dürfte natürlich schon das im Film verwendete Frühneuenglisch abschreckend wirken, wobei Filme wie Branaghs “Hamlet“ eindrucksvoll gezeigt haben, dass dieses auch noch Jahrhunderte nach seiner eigentlichen Verwendung einem packenden Filmerlebnis nicht im Wege stehen muss.

Kritischer ist da schon eher die sehr am klassischen Theater orientierte Inszenierung des Films zu betrachten. In seinen Memoiren erzählte Darsteller James Cagney, dass viele der Schauspieler und Schauspielerinnen angesichts der von Reinhard gewünschten sehr gestenreichen Spielweise irritiert gewesen waren – die passte ja schließlich weniger zum Film als viel mehr zum Theater. Und so wirken dann auch viele der Schauspielleistungen einfach etwas zu abgehoben und over-the-top für das Medium Film. Besonders deutlich wird das am Beispiel der Figur des kleinen Puck, gespielt vom damals 15-jährigen Mickey Rooney. Es ist natürlich faszinierend Rooney, der eine beeindruckende 88 Jahre lange Hollywoodkarriere hinlegte (sein erster Auftritt fand 1926, sein letzter 2014 statt), hier als Kind zu sehen. Leider nur ist sein Puck unglaublich schrill und nervtötend und meist einfach kaum auszuhalten.

Auch alle anderen Darstellerinnen und Darsteller wirken allerhöchstens durchschnittlich in ihren Rollen und mehr gekünstelt als real. Keinem gelingt hier irgendeinen wirklich nachhaltigen (positiven) Eindruck zu hinterlassen. Gerade bei der Fülle der Protagonisten hat man dann auch nie das Gefühl abseits der simplen Grundmotive der Figuren irgendwelche spannenden Facetten an diesen zu entdecken. Stattdessen wirken deren Dialoge eher aufgesetzt und abgehoben als emotional involvierend. Was im Umkehrschluss bedeutet, dass die ständigen Verwechslungen und Liebeswirrungen der Story einen eher kalt lassen anstatt wirklich zu unterhalten.

Letztendlich gönnt der Film seiner straffen Handlung auch kaum Zeit zum Durchatmen, weswegen man nie in Ruhe jetzt auch die interessanteren Momente einfach mal sacken lassen kann. Auch die Optik des Films klotzt statt zu kleckern. Die großartigen Sets werden immer wieder mit einer etwas zu heftig eingesetzten Portion Weichzeichner und jede Menge Funkeln verschönert, was das Bild dann doch manchmal etwas zu überladen wirken lässt. Hübsch anzuschauen ist es zwar trotzdem, nur ist halt insgesamt einfach alles hier eine Spur drüber, um wirklich so richtig genossen zu werden. Was schade ist, denn wenn hier zum Beispiel eine ganze Armada an Feen durch das Bild fliegt ist das handwerklich für die damalige Zeit wirklich beeindruckend umgesetzt. Auch die Choreographien sind immer wieder durchaus elegant und ansprechend gelungen, wobei gerade hier die meist penetrante Statik der Kamera auffällt. Das man weitestgehend auf filmspezifische Inszenierungsmöglichkeiten, wie zum Beispiel Kamerafahrten, verzichtet, ist einfach auch eine verpasste Chance.

Gefühlt fängt sich der Film im letzten Drittel ein wenig, kann ein paar gelungenere Schmunzler einbauen und kommt nicht mehr ganz so schrill daher. Und trotzdem stellt sich am Ende des Filmes eher das Gefühl von Leere ein. Max Reinhards und William Dieterles filmische Umsetzung von “Ein Sommernachtstraum“ schafft es leider nicht die Stärken des Theaterstückes auf wirklich interessante Weise für ein Filmpublikum aufzubereiten. Das mögen Theaterfreunde anders sehen und diese dürfen darum hier ruhig einen Blick riskieren. Allen anderen sei aber anstatt diesem Film besser das von Shakespeare eigentlich geplante Setting für das Stück empfohlen. Also, auf zum nächsten Theater.

"Ein Sommernachtstraum" ist aktuell als DVD auf Amazon in Deutschland verfügbar.

Szene mit Puck und Hermia

Trailer zu "Ein Sommernachtstraum"

Ausblick
In unserer nächsten Folge widmen wir uns einem weiteren Story-Klassiker, der diesmal aber auf einer wahren Begebenheit beruht und auf hoher See spielt.

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Sommernachtstraum, Ein

Sorting ABC

In der letzten Folge haben wir uns in “Unter Piratenflagge“ ja noch nach etwas clevereren Dialogen gesehnt. Da verspricht der nächste Beitrag von unserer Nominiertenliste der achten Academy-Awards doch direkt Besserung. Die Umsetzung von William Shakespeares berühmtem Werk “Ein Sommernachtstraum“ macht es aber zumindest dem Autor dieser Zeilen nicht gerade leicht, den alten Meister wirklich genießen zu können.

Oscar

Nominiert "Outstanding Production"

MOH (63): 8. Oscars 1936 - "Ein Sommernachtstraum"

Alles steht Kopf 2

matthias — Sat, 06 Jul 2024 14:21:09 +0000

Alles steht Kopf 2

Kino

Matthias Kastl 6. Juli 2024 - 16:21

Originaltitel

Inside Out 2

Genre

Animation

Komödie

Land

Jahr

2024

Regie

Cast

Laufzeit

96 min

Release Date

12. Juli 2024

Bewertung

Disney

Lange Zeit glich der Auftakt in den Kinosommer ja rein finanziell einem Schneckenrennen. Insbesondere Filme wie “The Fall Guy“ oder “Furiosa“ blieben in Sachen Einspielergebnis schon sehr deutlich unter ihren Erwartungen. Ein wenig überraschend sprang dafür nun Pixars “Alles steht Kopf 2“ in die Presche und überschritt als erster Film des Jahres in Rekordzeit die magische Grenze von einer Milliarde Dollar an den weltweiten Kinokassen. Ein Ergebnis, das aber nicht nur Kinobetreiber, sondern auch das Publikum freuen darf. Denn obwohl die Fortsetzung nicht die Frische des Originals erreicht, entpuppt sich “Alles steht Kopf 2“ als ziemlich unterhaltsames Sequel, das sein Herz am rechten Fleck trägt.

Am gleichen Fleck wie früher sitzen auf jeden Fall zu Beginn unsere aus dem Vorgänger schon vertrauten fünf Emotionen: Kummer (Phyllis Smith), Wut (Lewis Black, “Oh je, du Fröhliche“), Ekel (Liza Lapira), Angst (Tony Hale, “American Ultra“, “A Toy Story: Alles hört auf kein Kommando“) und Freude (Amy Poehler, “Neid“). Nämlich immer noch im farbenprächtigen Kontrollzentrum des Gehirns der nun im Teenageralter angekommenen Riley (Kensington Tallman). Das geregelte Leben der fünf Gefährten ändert sich aber schlagartig, als Riley in die Pubertät kommt und mit dieser ein Haufen neuer Emotionen die Kommandobrücke stürmt. Ziemlich schnell ist klar, dass neue Emotionen wie Zweifel (Maya Hawke, “Maestro“, “Do Revenge“), Neid (Ayo Edebiri) oder Peinlich (Paul Walter Hauser) den Arbeitsalltag nicht gerade einfacher machen werden. Und so wird dann auch ein Wochenendausflug von Riley zu einem Eishockey-Nachwuchscamp gleich zu einer ersten großen Belastungsprobe – und sorgt dafür, dass unsere ursprüngliche Crew schon bald die überfüllte Kommandozentrale für ein nächstes großes Abenteuer räumen muss.

Die kreative Kommandobrücke des Filmes hat wiederum Pixar-Urgestein Pete Docter (“Soul“, “Oben“) verlassen, der beim Vorgänger noch als Regisseur und Autor am Werk war. Stattdessen darf Pixar-Eigengewächs Kelsey Mann sein Spielfilmdebüt auf dem Regiestuhl feiern. Dem Look und Feel des Filmes merkt man diesen Wechsel kaum an, gerade Fans des Erstlings werden sich hier sehr schnell zu Hause fühlen. Das fängt schon bei der Optik an, denn ein allzu großer visueller Unterschied fällt (zumindest dem Laien) im Vergleich zum ja immerhin fast zehn Jahre alten Vorgänger nicht auf. Nicht falsch verstehen, wie immer bei Pixar sehen die Animationen blendend und gerade in diesem Fall auch sehr farbenprächtig aus. Aber es gibt jetzt auch keinen Moment, der im Vergleich zum ersten Teil rein visuell so richtig heraussticht.

Da aber schon der großartige Vorgänger (für den Autor dieser Zeilen der bisher beste Pixar-Film) vor allem dank seiner kreativen Ideen und einem riesengroßen Herz punkten konnte, ist dies aber nun wirklich vernachlässigbares Jammern auf höchstem Niveau. Allerdings muss man zugeben, dass auch der Wow-Effekt in Sachen inhaltlichem World Building hier natürlich ebenfalls kleiner ausfällt. Wie das halt der Fall ist, wenn eine brillante Idee noch ein zweites Mal genutzt wird – Einzigartigkeit lässt sich eben nicht kopieren. So sind wir mit vielen Mechanismen dieser Welt bereits vertraut, haben manche Locations schon gesehen und sind einigen kreativen Einfällen, wie dem Auftauchen unterdrückter Kindheitserinnerungen oder dem Bruch mit dem modernen Animationsstil, so schon einmal in ähnlicher Form begegnet.

Das ist jetzt oft die Stelle in einer Filmkritik, bei der man sich über den seelenlosen Fortsetzungswahn Hollywoods beschwert. Davon sind wir hier aber glücklicherweise ganz weit weg. Wir haben es hier nämlich nicht mit dem Pixar der “Cars“-Reihe zu tun, bei dem der Fokus gefühlt mehr auf dem Cash Flow als kreativen Einfällen liegt. Stattdessen erinnert der Spirit mehr an die “Toy Story“-Reihe und damit an das Bedürfnis, auch bei einer Fortsetzung soviel Herzblut und Hirnschmalz wie möglich einfliessen zu lassen. Gerade in der ersten halben Stunde ist das besonders gut zu spüren, da die Mischung aus Humor, Intelligenz und Wärme einfach wundervoll funktioniert. Vom unglaublich charmanten Auftritt einer vergessenen Computerspielfigur bis hin zu den genauso witzigen wie cleveren Wortgefechten zwischen alter und neuer Crew, man kommt hier einfach nicht aus dem Dauergrinsen heraus.

Dazu kommen immer wieder diese wundervollen Pixar-Momente, die noch mal ein Level tiefer gehen und grundsätzliche menschliche Eigenschaften und Wahrheiten auf so clevere Weise aufgreifen, dass es sich lohnt kurz innezuhalten und über seine eigenen Lebenserfahrungen zu reflektieren. Wohl am Besten im Film in einer Sequenz getroffen, in dem die einst kindliche Kreativität von Riley auf einmal von der Zweifel-Figur einem ganz neuen Einsatzbereich zugewiesen wird. Aber auch ganz kleine Ideen, wie ein kurzer Emotions-Cameo im Hauptquartier, lassen beim Publikum sowohl Herz als auch Kopf höherschlagen.

Über weite Strecken kann man dem Film also eigentlich nur “vorwerfen“, die Einzigartigkeit des Vorgängers und das damit verbundene Staunen des Publikums nicht wiederholen zu können – eine aber von Beginn an unmögliche Mission. Ein paar kleine zusätzliche Schwächen leistet man sich im Lauf der 96 Minuten dann aber leider doch noch. Gefühlt fällt der Mitteilteil mit der Zeit ein wenig ab, da er hier und da etwas zu hektisch wirkt und besser noch ein paar ruhigere Momente vertragen hätte. Und gegen Ende wirkt die Auflösung dann, gerade angesichts des sonst so interessant gestalteten Zusammenspiels der verschiedenen Emotionen, ein klein wenig zu glatt und einfach. Das hat man im ersten Teil dann doch mit etwas mehr Grautönen interessanter hinbekommen.

Nichtsdestotrotz bleibt auch am Ende von “Alles steht Kopf 2“ kein Auge trocken. Und das bei einem Film, der sich ja eigentlich “nur“ den Gefühlsirrungen eines kleinen Mädchens an einem einzigen Wochenende widmet. Womit wir uns am Ende nicht nur wieder ein bisschen in Riley, sondern auch in das in den letzten Jahren ja etwas unbeständiger auftretende Pixar verlieben. Dass ausgerechnet dieser Film jetzt einen solchen finanziellen Erfolg feiert macht dann auch Hoffnung. So sehr wir uns natürlich Originalstoffe statt Fortsetzungen wünschen, wenn man schon auf Sequels setzt, dann bitte mit dem gleichen Herzblut umgesetzt wie hier. Das ist hoffentlich auch Disney für die Zukunft eine Lehre, denn mit diesem Einspielergebnis ist ein dritter Teil vermutlich nicht abzuwenden (eine Serie ist für Disney+ ja bereits in Arbeit). Mit “Toy Story 3“ hat Pixar allerdings ja schon bewiesen, dass so etwas nicht zwangsläufig etwas Schlechtes sein muss. Hoffentlich sitzt beim Verfassen der Kritik dann, wie bei den beiden bisherigen Teilen, im Gehirn des Rezensenten auch wieder “Freude“ an der Kommandokonsole.

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Alles steht Kopf 2

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Perfect Match: Die Steffi & Andre Story

frami — Sat, 06 Jul 2024 10:18:01 +0000

Perfect Match: Die Steffi & Andre Story

Frank-Michael Helmke 6. Juli 2024 - 12:18

Streaming

Genre

Land

Jahr

2024

Regie

Cast

Laufzeit

101 min

Release Date

24. Juni 2024

Bewertung

Amazon

"Perfect Match" will die Liebesgeschichte von Steffi Graf und Andre Agassi nacherzählen, steht dabei aber vor einem großen Problem: es ist fast nichts darüber bekannt, wie die beiden eigentlich zueinander fanden. Auch Agassis ansonsten sehr offenherzige Autobiografie liefert zu diesem Thema so gut wie keine Anhaltspunkte. Die "Lösung" des Films: kein übliches "Basierend auf wahren Begebenheiten" mit ein bisschen kreativer Freiheit. Sondern schon gleich zu Anfang per Texteinblendung das Eingeständnis, dass das nun Folgende völlig fiktiv ist. Allerdings mit dem Zusatz: "Es könnte sich aber genauso zugetragen haben." Dazu muss man klar konstatieren: Nein, könnte es nicht.

So erfindet der Film als erstes Kennenlernen der beiden eine gemeinsame Pressekonferenz, die es in Wahrheit nie gegeben hat. Okay, fiktiv halt. Richtig absurd wird es dann aber, wenn Graf und Agassi zum Mittelpunkt des Films ihre große romantische Annäherung während eines zufällig gleichzeitigen Rom-Urlaubs haben, bei dem zwei der damals bekanntesten Sportler der Welt sich völlig unbehelligt wie normale Touristen durch die Stadt bewegen, und weder von auch nur einem Fan, geschweige denn einem Paparazzi belästigt werden.

"Perfect Match" hätte interessant sein können, wenn man eine spekulative aber dabei glaubwürdige Antwort auf die Frage gesucht hätte, wie Graf und Agassi es tatsächlich geschafft haben, sich trotz permanenter Beobachtung der Öffentlichkeit quasi unbemerkt anzunähern und zu verlieben - wie kann eine Liebe erblühen mitten im Rampenlicht des Tennis-Zirkus. Stattdessen dichtet der Film sich um ein paar belegte Fakten (Peter Grafs Steuerbetrug, Agassis Showbiz-Ehe mit Brooke Shields) ein Märchen zusammen, das sich in seinen zentralen Momenten wie jede andere x-beliebige Filmromanze anfühlt, und genauso einfallslos und platt ist.

Inklusive eines wenig überzeugenden Darsteller-Ensembles, von schlimm chargierenden Gestalten wie Larry Kapust als berühmt-berüchtigter Tennis-Coach Nick Bollettieri bis hin zum grandios farblosen Leonard Scheicher als Grafs langjährigem Freund Michael Bartels. Interessant auch die eigenwillige Regie-Entscheidung, Grafs Eltern Heidi und Peter in Pfälzer Dialekt sprechen zu lassen in einem Film, der zum allergrößten Teil (zwecks leichter Vermarktung auf Amazons globaler Streaming-Plattform) auf Englisch gedreht wurde. Dieses befremdliche Bemühen um Authentizität (auch ersichtlich in der 1:1-Nachstellung von Agassis Jubel nach seinem ersten Wimbledon-Sieg) an wenigen Stellen beißt sich ziemlich mit der allgemeinen "Wir denken uns halt irgendwas aus, wie die beiden zueinander gefunden haben"-Herangehensweise des Films.

Das einzige, was "Perfect Match" vor einem totalen Absturz bewahrt, ist das engagierte und überzeugende Spiel der charismatischen Lena Klenke als Steffi Graf, die mit dem sonst als Komiker bekannten Michael Kessler auch einen soliden Gegenpart als Vater Peter zur Seite gestellt bekommen hat. Dass man von ihrem englischstämmigen Co-Hauptdarsteller Toby Sebastian als Agassi hingegen noch nie wirklich etwas gehört hat, wird nach Betrachten dieses Films auch niemanden überraschen.

Was bleibt ist ein Film, der sich allzu offensichtlich einzig auf den glamourösen Namen seiner Hauptfiguren ausruht und sich faul damit begnügt, dass allein diese für genug Interesse sorgen werden, als dass Amazons Streaming-Publikum mal reinklickt. Mehr als das versucht man hier überhaupt nicht zu erreichen. Und das ist fast schon ärgerlich wenig. Zeitverschwendung.

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Perfect Match: Die Steffi & Andre Story

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Beverly Hills Cop: Axel F.

matthias — Wed, 03 Jul 2024 03:22:00 +0000

Beverly Hills Cop: Axel F.

Matthias Kastl 3. Juli 2024 - 5:22

Streaming

Genre

Land

Jahr

2024

Regie

Cast

Laufzeit

115 min

Release Date

3. Juli 2024

Bewertung

Netflix

Mal ehrlich, so richtig hohe Erwartungen an einen vierten Teil der “Beverly Hills Cop“-Reihe dürfte wohl niemand gehabt haben. Der erste Film taugt zwar auch 40 Jahre später noch für einen vergnüglichen Nostalgie-Ausflug in die Anfangsjahre des Buddy-Cop-Kinos, doch über die beiden Fortsetzungen aus den Jahren 1987 und vor allem 1994 legt man besser den Mantel des Schweigens. So brauchte es schon viel Phantasie, um sich vorzustellen, dass nach Jahren in Hollywoods Vorproduktions-Hölle ausgerechnet ein Netflix-Revival dieser Reihe neues Leben einhauchen würde. Und tatsächlich lässt die erste Viertelstunde von “Beverly Hills Cop: Axel F.“ Schlimmes vermuten, bevor der Film aber dank einer wundervollen Nebenfigur die Kurve kriegt und Eddie Murphys Paraderolle zumindest einen ordentlichen Abschied ermöglicht.

Ähnlich wie bei den bisherigen Fortsetzungen steht man natürlich auch hier wieder vor dem Dilemma, wie man den guten Axel (Eddie Murphy, “Dr. Dolittle 2“, “Dreamgirls“) denn nun ein weiteres Mal von Detroit nach Los Angeles lockt. Als nötige Plot Device müssen diesmal Ermittlungen von Axels altem Buddy Billy Rosewood (Judge Reinhold) herhalten, der inzwischen als Privatdetektiv arbeitet. Für einen gefährlichen Fall rund um den etwas zwielichtig wirkenden Captain Grant (Kevin Bacon, “Mystic River“, “Leave the World Behind“) hat Billy ausgerechnet Axels Tochter Jane (Taylour Paige), die als Anwältin in der Stadt der Engel arbeitet, eingespannt. In Sorge um diese kehrt Foley nun also wiedermal in seine zweitliebste “Hood“ zurück, nur um dort direkt nach seiner Ankunft Bekanntschaft mit ein paar zwielichtigen Gestalten zu machen. Zeit für Axel also wieder die große Klappe und den Ermittler-Instinkt auszupacken, doch sowohl Jane als auch Axels Ex-Partner Taggert (John Ashton) verweigern ihm erst mal ihre Unterstützung. Stellt sich also die Frage, ob unser guter Beverly Hills Cop auch unter diesen Bedingungen 40 Jahre später noch jeden Fall lösen kann.

So ein klein wenig ertappt man sich hier nach einer knappen Viertelstunde dabei seufzend einen Haken unter die Sache machen zu wollen. “Beverly Hills Cop: Axel F.“ startet mit einer ersten Actionsequenz rund um einen Raubüberfall in einem Eishockeystadion denkbar holprig. Die Action wirkt generisch, der Look austauschbar und Axels Mundwerk deutlich eingerostet. So möchte der Film mit einer Diskussion zwischen ihm und einem Arbeitskollegen unter anderem irgendwie humorvoll die aktuelle Woke-Kultur kommentieren, sorgt aber dabei für nicht mehr als ein müdes Schulterzucken. Genauso wie die Action, bei der Murphys fortgeschrittenes Alter schon sehr deutlich spürbar ist. Angesichts von Murphys letztem bescheidenen Versuch eine alte Paraderolle wiederzubeleben (“Der Prinz aus Zamunda 2“) sinkt so schnell die (zugegeben spärliche) Zuversicht, diesmal nicht ebenfalls enttäuscht zu werden.

Die Tatsache, dass man sich zu Beginn auch noch schamlos der alten Erfolgsformel bedient und die klassischen Storybeats des Erstlings wieder aufgreift (Axel richtet Chaos an, Axel bekommt höhnischen Applaus der Kollegen, Axels Boss bekommt dafür einen Einlauf von höchster Stelle) bestärkt nur den Eindruck, dass die Motivation für den Film eher auf blinkenden Dollarzeichen als einer kreativen Vision bestand. Und so zückt man als Kritiker schon gedanklich den inneren Kugelschreiber, um zu einer weiteren Schimpftirade über derart seelenlose Franchise-Wiederbelebungen auszuholen. Bis sich auf einmal unvorhergesehen eine Tür öffnet und der Film eine junge Frau zu Rettung dieses scheinbar sinkenden Unterhaltungsschiffes sendet.

Natürlich, der Einfall eine zerrüttete Vater-Kind-Beziehung als emotionalen Anker für einen alternden Helden zu nutzen, der sich rührend die Anerkennung des eigenen Nachwuchses erkämpfen muss, ist jetzt nicht wirklich neu. Kann aber eben trotzdem zu einem kleinen Game Changer werden, wenn man eine derart charismatische Newcomerin wie Taylour Paige an der Hand hat. Die spielt die Rolle der vom Vater enttäuschten Jane angenehm zurückhaltend. Gerade der subtile Übergang von ihrer erst kalten Schulter hin zu einer neckischen Süffisanz bezüglich ihrem selbstverliebt auftretenden Daddy ist richtig erfrischend. Sie gibt dem Film, und damit war nun wirklich nicht zu rechnen, tatsächlich ein Stück echte emotionale Tiefe.

Das Zusammenspiel mit Paige weckt auch bei Eddy Murphy spürbar die Lebensgeister. Murphy hatte ja schon beim dritten Teil eingefordert, seinen Axel Foley deutlich erwachsener und zumindest ein wenig vielschichtiger portraitieren zu dürfen. Mit gut 30jähriger Verspätung gelingt ihm das nun auch, da er hier und da immer wieder innehält, um seiner Figur auch ein klein wenig Selbstreflexion zu gönnen. Wobei wir aber natürlich jetzt nie Gefahr laufen, hier irgendwie in die Richtung eines Oscar-prämierten Dramas zu laufen. Es bleibt natürlich immer noch Zeit für ein paar witzige Sprüche, die im Mittelteil dann auch endlich deutlich gelungener ausfallen. Am besten sind dabei die Momente, in denen Axel seine alten “Überzeugungskünste“ auspacken möchte, diese Gespräche dann aber auf einmal eine etwas andere Richtung als gedacht einschlagen.

Neben der großartigen Taylour Paige fällt der Eindruck vom Rest des Ensembles etwas durchwachsener aus. Die Auftritte von Judge Reinhold und John Ashton sind zwar nett anzuschauen, ihren alten Rollen können sie aber nicht wirklich viel Interessantes hinzufügen (ähnlich wie zwei weitere Auftritte von alten Bekannten). Kevin Bacon wiederum scheint eher am Gehaltscheck als dem Kreieren eines wirklich spannenden Bösewichts interessiert zu sein. Gut tut dem Film dagegen der spürbar gut gelaunte Joseph Gordon-Levitt ("Snowden", "Inception"), der allerdings weniger an der Seite Murphys sondern vor allem im Zusammenspiel mit Paige richtig gut funktioniert.

Die wirklich sehr ordentliche Vater-Tochter-Chemie im Mittelteil übertüncht aber natürlich ein wenig die Tatsache, dass die Handlung wiederum absoluter Mumpitz ist. Wie man sich hier an von einem Plot Point zum anderen hangelt ist schon teils sehr lieblos geschriebener Quatsch. Die Inszenierung von Regie-Newcomer Mark Molloy reiht sich wiederum ein in den austauschbaren Netflix-Blockbuster-Look der letzten Jahre – flach wirkende Hochglanzaufnahmen garniert mit dem einen oder anderen sehr offensichtlichen CGI-Effekt. An anderer Stelle hatten wir hier ja schon über die Ästhetik der “Beverly Hills Cop“-Reihe philosophiert und irgendwie ist auch der vierte Teil der Reihe ein typisches Zeugnis seiner Zeit – jetzt aber nicht gerade im positiven Sinne.

Ebenfalls uninspiriert kommen auch die meisten Actionszenen des Films daher. Die sorgen gerade im letzten Drittel dafür, dass der Film nach einem wirklich unterhaltsamen Mittelteil doch deutlich an Fahrt verliert. Trotzdem überwiegt am Ende aber ein positiver Eindruck, was vermutlich auch ein bisschen daran liegt, dass die Erwartungen an diesen Film weder im Vorfeld noch nach der ersten Viertelstunde sonderlich hoch waren. Dafür grinst man hier als Zuschauer dann doch öfters als gedacht, ist manchmal sogar ein klein wenig emotional gerührt, und das reicht, um “Beverly Hills Cop: Axel F.“ zumindest an die zweite Stelle in der Franchise-Rangliste zu hieven. Womit der alte Recke nach dem Desaster im Jahr 1994 nun doch zumindest einen ganz ordentlichen Abgang erhält. Ob es dabei auch bleibt muss natürlich bei Hollywood immer abgewartet werden, aber angesichts der sehr angenehmen Chemie zwischen Murphy und Paige klingt ein möglicher fünfter Teil jetzt gar nicht mal so schrecklich. Und das ist ja dann doch ein durchaus überraschendes Fazit.

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Beverly Hills Cop: Axel F.

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Unter Piratenflagge

matthias — Tue, 02 Jul 2024 05:11:17 +0000

Unter Piratenflagge

Matthias Kastl 2. Juli 2024 - 7:11

Originaltitel

Captain Blood

Genre

Abenteuer

Land

Jahr

1935

Regie

Cast

Laufzeit

119 min

Release Date

28. Dezember 1935

Bewertung

Warner Brothers

Ach, es geht doch nichts über einen ordentlichen Abenteuerfilm, um sich von den Sorgen des Alltags abzulenken. Das Bedürfnis danach hatten Kinobesucher bereits schon vor 100 Jahren und so feierte bereits in den 1920er Jahren Douglas Fairbanks in meist klassischen Mantel-und-Degen-Filmen, wie “Das Zeichen des Zorro“, “Robin Hood“, “Die drei Musketiere“ oder “Der Dieb von Bagdad“, große Publikumserfolge. Sein fortgeschrittenes Alter und eine Nebenkarriere als Kettenraucher erschwerten ihm aber schon bald die Produktion dieser physisch anspruchsvollen Filme und so entstand in diesem Genre in den 1930er Jahren eine große Lücke im von Hollywood etablierten Starsystem.

Vorhang auf für “Lückenfüller“ Errol Flynn, einem in Tasmanien geborenen und bis dato völlig unbekannten Nachwuchsschauspieler. Nach dem zahlreiche andere Kandidaten abgesagt hatten ergatterte dieser völlig unverhofft die Hauptrolle als schwertschwingender Captain Blood in “Unter Piratenflagge“ und legte damit den Grundstein für eine schillernde Hollywoodkarriere als Prototyp des verschmitzt grinsenden Abenteurers. Warum Flynn nach dem Film derart durchstartete ist angesichts dessen wirklich tollen Charismas dann auch sehr leicht nachvollziehbar, auch wenn das Piratenabenteuer selbst teilweise etwas ungelenk daherkommt.

Flynn spielt darin den irischen Arzt Peter Blood, dem Ende des 17. Jahrhunderts eine noble Tat zum Verhängnis wird. Als Strafe für die selbstlose Behandlung eines feindlichen Soldaten wird er mit weiteren Gefangenen vom heimischen König nach Jamaika gesandt, um dort als Sklave in der Hafenstadt Port Royal verkauft zu werden. Arabella (Olivia de Havilland), die Nichte des örtlichen Plantagenbesitzers Colonel Bishop (Lionel Atwill), verguckt sich ein wenig in den scheinbar schwer zu zähmenden Schönling und sichert sich darum seine Dienste. Blood selbst denkt aber erst mal nicht an die Liebe sondern nur an Flucht, die ihm mit Hilfe einiger Mitgefangener dann auch gelingt und ihn in Folge schnell zu einem berüchtigten Freibeuter der Meere aufsteigen lässt.

“Unter Piratenflagge“ entpuppte sich in den USA als veritabler Kassenhit und kam gleichzeitig auch bei der Kritik sehr gut an, was die insgesamt fünf Oscar-Nominierungen (“Bester Film“, “Beste Regie“, “Bestes Drehbuch“, “Bester Ton“ und “Beste Filmmusik“) unterstreichen – auch wenn der Film am Ende in keiner der Kategorien erfolgreich war. Das deutsche Publikum wiederum war erst einmal von dem Abenteuer ausgeschlossen, denn die jüdische Herkunft von Komponist Erich Wolfgang Kerngold sorgte dafür, dass der Film in Deutschland in der Nazizeit nicht gezeigt und erst 1950 veröffentlicht wurde.

Egal wann man sich den Film aber nun anschaut, wer sich auf zwei Stunden Piratenabenteuer freut dürfte wohl erst einmal etwas enttäuscht sein. Erst in der zweiten Hälfte wird hier nämlich so richtig in See gestochen. Interessanterweise ist aber gerade die erste Hälfte der gelungenere und deutlich abwechslungsreicher Teil des Filmes. Schritt für Schritt wird hier erst einmal der Hauptcharakter eingeführt und gerade dessen Leidenszeit und Fluchtplanungen auf Jamaika sehr viel Raum gegeben. Das funktioniert richtig gut, da vor allem Flynn die nötige Zeit bekommt, um mit seiner Figur so richtig Fahrt aufzunehmen. Zu Beginn wirkt sein Peter Blood noch etwas steif doch relativ schnell formt Flynn eine unglaublich charismatische Mischung aus leichtfüßigem Draufgänger und ernsthaftem Rebellen. Seine Figur kommt zwar immer mit einem gewissen Augenzwinkern daher, übertreibt es damit aber nicht und wirkt so angesichts der ja eigentlich ziemlich dramatischen Situation seiner Figur in Sachen Verhalten nie deplatziert.

Spätestens nach einer halben Stunde hat man Flynn ins Herz geschlossen, genauso wie seine wundervolle Kollegin Olivia de Havilland. Für die damals gerade einmal 19-jährige Schauspielerin brachte der Streifen ebenfalls den großen Durchbruch und nach “Unter Piratenflagge“ sollten gleich noch sieben weitere gemeinsame Auftritte des neuen Hollywood-Traumpaars Flynn-Havilland folgen. Die beiden sind schon in ihrer ersten Szene, der Ersteigerung von Peter durch Arabella, sofort auf einer wundervollen gemeinsamen Wellenlänge. Hier herrscht direkt eine Art Screwball-Komödien-Vibe, der das ja eher triste Schicksal von Blood angenehm auflockert ohne es dabei in die Lächerlichkeit zu ziehen.

Zwei so junge Stars brachten für die Produktion natürlich auch einen Kostenvorteil. Das für eine eigentlich so episch anmutende Geschichte eher wenig Budget vorhanden war zeigt sich aber auch noch an anderen Stellen. So kommt man schon mit sehr wenigen Locations aus, gibt sich aber Mühe die Sets möglichst episch wirken zu lassen, in dem man vor allem mit jeder Menge Statisten für ein ständiges Gewusel vor der Kamera sorgt. Mit Michael Curtiz hat man einen zwar als sehr schwierig geltenden aber vor allem für seine Effizienz berüchtigten Regisseur an Bord, der unter den herausfordernden Umständen wirklich sehr viel rausholt. So schafft er es geschickt mit kleinen Kamerafahrten und gut gewählten Kameraeinstellungen das Geschehen immer wieder gekonnt emotional aufzuladen. Wobei Curtiz eigentliches Regie-Kronjuwel natürlich erst ein paar Jahre später mit “Casablanca“ folgen sollte.

Ein klein wenig altbacken kommt der Film dann aber hier und da trotzdem daher. Auf die Texteinblendungen hätte man gerne verzichten können, manche Momente fallen schon sehr kitschig aus und immer wenn große Reden geschwungen werden (was hier sehr oft passiert) funktionieren diese eigentlich nur dank dem Charme des Hauptdarstellers und nicht aufgrund der Cleverness der Textzeilen. Shakespeare ist das hier beileibe nicht, aber die Oberflächlichkeit des Geschehens ist in der ersten Hälfte dank der abwechslungsreichen Handlung sehr gut zu verkraften. Leider bietet die zweite Hälfte trotz Piratenabenteuer und großer Kämpfe aber dann deutlich weniger Spannung und Entertainment. Das liegt nicht nur daran, dass für einen längeren Zeitraum auf einmal die wundervolle Olivia de Havilland von der Bildfläche verschwindet. Havilland macht leider auch Platz für ein paar eher weniger gelungene Nebenfiguren und einige müde Lacher.

So richtig aufregend ist das Leben auf einem Piratenschiff halt dann auf Dauer eben auch nicht. Das scheint man sich hier ebenfalls gedacht zu haben und versucht dem mit dem plötzlichen Auftauchen von Basil “Sherlock Holmes“ Rathbone als konkurrierendem Piratenkapitän entgegenzusteuern. Doch leider wirkt diese sehr abrupt eingeschobene kleine Nebengeschichte doch mehr erzwungen als unterhaltsam. Und gerade das große Fechtduell zwischen unseren beiden Kapitänen ist nicht nur irgendwie komisch in der Mitte des Filmes platziert, es ist auch noch ziemlich hölzern umgesetzt. Ein klein wenig hat es was von einer ungelenken Theateraufführung der örtlichen Schulklasse und wirkt so gerade für das heutige Publikum schon fast ein bisschen lächerlich. Ebenfalls etwas inkonsequent umgesetzt ist eine kurze Krise innerhalb der Piratencrew, die zwar spannendes Potential bietet aber schnell wieder geklärt ist – man will ja eigentlich nur etwas Spaß haben.

Und das ist ja auch eigentlich völlig okay. Doch wenn im letzten Drittel des Filmes dann vor allem Schiffe geentert und versenkt werden, ist das (zumindest aus heutiger Sicht) leider nur bedingt packend umgesetzt. Zu oft sieht man halt schon sehr deutlich, dass hier ein Haufen Miniaturschiffe in die Luft fliegen. Womit das letzte Drittel von “Unter Piratenflagge“ heutzutage den kleinen Hauch eines B-Movies versprüht, was nicht gerade dadurch abgemildert wird, dass man für manche der Schiffsszenen sich damals einfach bei dem 1924 gedrehten “The Sea Hawk“ bediente. Es ist dann aber auch wieder Michael Curtiz cleverer Regie zu verdanken, dass man diesen “Materialdiebstahl“ nur hier und da mal erahnt.

Nett anzuschauen ist aber das Schlussdrittel trotzdem noch irgendwie, auch weil Flynn einfach so unglaublich charismatisch ist und man den Film am Ende auch mit einem sympathischen Augenzwinkern beendet. Noch mehr gute Laune hatten danach auf jeden Fall einige der am Film Beteiligten, für die der Erfolg des Abenteuerfilms nun zum Sprungbrett für eine wirklich große Karriere wurde. Einen Großteil der Truppe werden wir übrigens in unserer Oscar-Reihe schon bald im Farbfilmklassiker “Robin Hood – König der Vagabunden“ wiedersehen. Dort darf Errol Flynn dann unter der Regie von Michael Curtiz wieder heldenhaft Olivia de Havilland aus den Fängen von Basil Rathbone befreien. So ist das eben mit Hollywood, bewährte Formeln und maximale Risikominimierung werden dort immer en vogue sein.

"Unter Piratenflagge" ist aktuell als DVD auf Amazon in Deutschland verfügbar.

Trailer zu "Unter Piratenflagge"

Ausblick
In unserer nächsten Folge gibt es ein Wiedersehen mit Olivia Havailland. Diesmal klappt das mit Dialogen in Shakespeare-Qualität aber deutlich besser, was schlichtweg daran liegt, dass genauer dieser die Vorlage für das Drehbuch lieferte.

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Unter Piratenflagge

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In unserer letzten Folge legten die Protagonisten von "Broadway-Melodie 1936" ja eine ziemlich flotte Sohle aufs Parkett. Solch ein Talent für außergewöhnliche Fußarbeit würde sicher auch Piratenkapitän Peter Blood bei dessen zahlreichen Fechtduellen helfen, wobei der Protagonist unseres heutigen Oscar-Kandidaten am Ende doch eher mit seinem Charme besticht.

Oscar

Nominiert "Outstanding Production"

MOH (62): 8. Oscars 1936 - "Unter Piratenflagge"

Broadway-Melodie 1936

matthias — Tue, 25 Jun 2024 05:45:52 +0000

Broadway-Melodie 1936

Matthias Kastl 25. Juni 2024 - 7:45

Originaltitel

Broadway Melody of 1936

Genre

Musical

Land