Filmszene. - Von Filmfans, für Filmfans

Matthias Kastl 9. April 2024 - 8:05

Genre

Melodrama

Land

Jahr

1934

Regie

Cast

Laufzeit

111 min

Release Date

26. November 1934

Bewertung

Mit “Imitation of Life“ treffen wir auf den vermutlich diskussionswürdigsten aber darum auch für mich faszinierendsten Film dieses Oscar-Jahrgangs. Eigentlich gilt das gleichnamige Remake von Regisseur Douglas Sirk, dem sogenannten König der Melodramen, aus dem Jahr 1959 als bekannteste Umsetzung der Geschichte. Doch die Version von 1934 muss sich davor wahrlich nicht verstecken, ist sie doch ein richtig gut gemachtes Drama und vor allem auch spannender Zeitzeuge des (sehr langsamen) gesellschaftlichen Fortschritts in den USA. Und dabei auch eine Herausforderung für jeden Rezensenten, denn gerade wie der Film das Thema Rassismus behandelt ist ein in sich zerrissener Ausdruck alter und neuer Weltanschauungen. Mit anderen Worten, es kommt jetzt sehr viel Text.

Auf der Suche nach einem Job als Haushälterin erlangt die alleinerziehende Afroamerikanerin Delilah (Louise Beavers) in “Imitation of Life“ gemeinsam mit ihrer kleinen Tochter Peola Arbeit in der Wohnung von Beatrice (Claudette Colbert, “Cleopatra“). Die weiße Mutter zieht dort ihre Tochter Jesse nach dem Tod ihres Ehemanns ebenfalls alleine auf und kommt dabei gerade so über die Runden. Als Beatrice aber Delilahs leckeres Pfannkuchenrezept probiert wittert sie eine Business-Chance und schlägt Delilah vor gemeinsam ein Pfannkuchenhaus zu eröffnen. Gesagt, getan. Nach ein paar Jahren läuft das Geschäft schließlich so gut, dass sogar das passende Mehl dazu in Serie produziert und verkauft werden kann. Und als erfolgreiche Business-Frau kann Beatrice bald vergnügliche High-Society Parties schmeißen, auf denen sie eines Tages den charmanten Stephen (Warren William. “Lady für einen Tag“, “Cleopatra“) kennen und lieben lernt.

Deutlich weniger glamourös ist hingegen die Situation von Delilah. Deren Konterfei prangert zwar auf dem Markenlogo des Produkts und sie ist auch finanziell an dessen Erfolg beteiligt, doch für Geld und Ruhm hat sie nichts übrig. Stattdessen arbeitet sie lieber weiter als treue Haushälterin für Beatrice und nutzt die Zeit, um die Beziehung zu ihrer eigenen und inzwischen erwachsenen Tochter Peola (Fredi Washington) zu pflegen. Das ist allerdings gar nicht so einfach, denn der sehr hellhäutigen Peola ist es schon seit ihrer Kindheit peinlich, wegen ihrer dunkelhäutigen Mutter als Schwarze identifiziert zu werden. Doch dies wird nicht die einzige kriselnde Mutter-Tochter-Beziehung in dem Haus bleiben. Als die inzwischen erwachsene Jessie (Rochelle Hudson) während ihrer College-Ferien kurzzeitig zu ihrer Mutter zurückkehrt wird auch deren Verbundenheit auf eine harte Probe gestellt.

Fassen wir mal kurz zusammen: Zwei alleinerziehende Mütter unterschiedlicher Hautfarbe starten gemeinsam ein erfolgreiches Business. Eigentlich gibt es dutzende Gründe warum ein Film mit solch einer Handlung in den USA anno 1934 gar nicht erst das Licht der Welt erblicken sollte. Und als ob einem der gesellschaftliche Mainstream komplett egal sei packt man hier auch noch einen Nebenplot über die Identitätskrise einer hellhäutigen Afroamerikanerin obendrauf. Wohlgemerkt, “Imitation of Life“ war keine obskure Produktion, sondern hatte mit Claudette Colbert und Warren William zwei (natürlich weiße) Stars auf dem Höhepunkt ihres Schaffens zu bieten. Da möchte man doch gleich mehrmals den Hut ziehen angesichts soviel Mutes hier inhaltlich derart abenteuerlich außerhalb der gesellschaftlichen Komfortzone zu agieren.

Am Ende ist aber auch “Imitation of Life“ natürlich trotzdem Gefangener seiner Zeit und wer mit heutigen modernen Gesellschaftsvorstellungen den Film betrachtet wird den Hut vermutlich schnell wieder aufsetzen wollen. Denn die Geschichte entpuppt sich bei genauem Blick als ein eher möglichst Vorsichtiges aus dem Fenster lehnen – bei dem man weiterhin genug vertrauten Boden unter den Füßen lässt, um das Publikum nicht völlig zu verschrecken. So war es natürlich für damalige Verhältnisse ungewöhnlich und mutig einer schwarzen Schauspielerin wie Louise Beavers eine so zentrale Rolle in einer großen Produktion zu geben. Gleichzeitig wurde aber darauf geachtet, dass diese auch nicht zu arg aus der ihr von der weißen Gesellschaft zugewiesenen “Rolle“ fällt.

So ist es natürlich Beatrice, welche hier stets den Ton angibt und als Business-Frau durchstartet. Delilah agiert dagegen meist passiv und stimmt fast allem zu. Ablehnen tut sie dagegen all das, was sie auf ein Level mit Beatrice stellen würde. Stattdessen möchte sie lieber weiter die Rolle der gutmütig-unterwürfigen Haushälterin einnehmen – eine der wenigen Rollen, in denen Afroamerikaner in dieser Zeit im US-Kino akzeptiert wurden (meist aber eben nur in kleinen Nebenrollen). Selbst die von Beatrice vorgeschlagene Beteiligung von 20 Prozent an dem Unternehmen lehnt Delilah erst ab, bevor sie dann gönnerhaft von Beatrice doch noch dazu überredet wird diese anzunehmen.

Das Ungleichgewicht dieser Protagonisten wird nirgends so gut deutlich wie in einer Szene, in der Beatrice nach einem harten Arbeitstag nach Hause kommt und ihre “Businesspartnerin“ Delilah ihr auf der Couch die Füße massiert. Anschließend macht sich Beatrice sogar (liebevoll) über Delilah lustig, da diese mit dem exotischen Berufsnamen von Stephen (er ist Ichthyologe, also Fischkundler) nichts anfangen kann. Hier die clevere weiße Powerfrau, dort die etwas begriffsstutzige aber nette schwarze Haushälterin – modern ist das nicht. So wartet dieser Erzählstrang mit einer sehr widersprüchlichen Botschaft auf, da man auf der einen Seite neue Wege geht und dabei doch wieder schlimme alte Muster bedient.

Nun geht aber bekanntlich auch gesellschaftlicher Fortschritt oft nur in Babyschritten voran, doch das ist nicht der einzige Grund, warum man diesem Film manche dieser rassistisch geprägten Klischees verzeihen kann. Man wird nämlich das Gefühl nicht los, dass die Macher sich diesen Vorurteilen zu Teilen sehr wohl bewusst waren und diese zumindest ganz vorsichtig immer wieder hinterfragen. Bestes Beispiel hierfür ist eben genau diese Couchszene, nach der sich Beatrice und Delilah in ihre Zimmer verabschieden. Während Beatrice im Licht die Treppe nach oben steigt, geht Delilah im Schatten in den Keller. Natürlich neigt man öfters bei Filmen zur Überinterpretation, aber die Art und Weise wie dieser Moment inszeniert ist lässt den Schluss zu, dass man diese gesellschaftlichen Unterschiede bewusst im Bild nochmal hervorheben wollte. Für Weiße hat das Leben luftige Höhen parat, unserer Haushälterin bleibt der Weg nach oben dagegen verwehrt. Überhaupt ist “Imitation of Life“ so souverän und elegant von Regisseur John M. Stahl in Szene gesetzt, dass man sich sicher ist, dass hier wirklich jede Einstellung genau und mit Bedacht umgesetzt wurde. So wird in vielen Momenten erfreulicherweise statt auf großes Drama lieber auf leise Töne gesetzt und immer wieder Dinge nicht ausgesprochen sondern lieber nur subtil angedeutet.

Genauer hinschauen und hinhören lohnt sich bei diesem Film also und wer das tut findet noch weitere Momente, die aufhorchen lassen. Nachdem sich der Film scheinbar klischeehaft in der Couchszene über die mangelnde Intelligenz von Delilah lustig gemacht hat, revidiert sich der Eindruck in einer späteren Szene etwas. Dort wird nun Jessie ebenfalls mit dem Begriff des Ichthyologen konfrontiert, doch im Gegensatz zu Delilah wird ihr direkt geglaubt, als sie meint den Begriff zu kennen. Kurz darauf lässt der Film sie aber heimlich panisch im Wörterbuch blättern und zieht ihr damit den Boden unter den Füßen weg. Jessie und Delilah haben beide gleichermaßen keine Ahnung, ihre Aussagen werden aber wegen ihrer Hautfarbe anders wahrgenommen.

Ein weiteres Argument die Motive der Filmemacher in einem positiveren Licht zu sehen ergibt auch eine Hintergrundrecherche zur Produktion des Filmes. So war ursprünglich im Skript zu “Imitation of Life“ eine Szene angedacht, in der ein schwarzer Junge eine weiße Frau anspricht und dafür fast gelyncht wird. Diese Szene war der amerikanischen Zensur ein Dorn im Auge und musste entfernt werden – schließlich hätte dies ein zu starkes negatives Licht auf Weiße geworfen. Ebenfalls auffällig ist die Entscheidung der Produktion, die Rolle der hellhäutigen Peola nicht, wie sonst üblich, mit einer namhaften weißen Schauspielerin zu besetzen. Stattdessen entschied man sich für Fredi Washington, die afroamerikanischer Herkunft war und im Gegensatz zu der von ihr gespielten Figur diesen Fakt auch mit Stolz annahm. Einige Jahre später sollte Washington die Negro Actors Guild of America gründen, die sich für eine Verbesserung der Arbeitsbedingungen afroamerikanischer Schauspieler und Schauspielerinnen einsetzte.

Zusammen mit dem Hintergrundwissen, dass die Autorin der Buchvorlage Fannie Hurst sich auch privat für die Rechte der Afroamerikaner einsetzte ergibt sich so, trotz aller noch im Film vorhandenen rassistischen Klischees, ein spannendes Bild einer Produktion, die nicht so aus ihrer Haut konnte wie sie vermutlich eigentlich wollte. Noch heute scheiden sich aber die Geister daran, wie fortschrittlich “Imitation of Life“ nun tatsächlich war oder sein wollte. Warum das so ist zeigt auch der Strang rund um die Figur der hellhäutigen Peola. Auf der einen Seite war “Imitation of Life“ einer der wenigen Filme seiner Zeit, der hier überhaupt einmal andeutete, dass es in den USA ein Rassismusproblem gab. So wünscht sich Peola den ganzen Film über als Weiße zu gelten, um es so einfacher im Leben zu haben – solch ein Thema aufzugreifen hatte sich bis dahin keine Großproduktionen getraut. Gleichzeitig war man aber auch hier vorsichtig diesen Rassismus offen anzusprechen. So wird nie explizit gezeigt, dass Peola tatsächlich wegen ihrer Herkunft schlecht von Weißen behandelt wird. Geschweige denn ausgesprochen, dass Afroamerikaner wie Weiße behandelt werden sollten.

Ausschnitt: Der jungen Peola ist der Besuch ihrer Mutter in der Schule peinlich

Genau solche klaren Aussagen vermisst man natürlich als moderner Zuschauer bei dem Film. Aber deswegen sollte man “Imitation of Life“ nicht gleich verteufeln. Stattdessen ist es ein faszinierendes Werk, in dem es soviel zu entdecken gibt und das gerade im zeitlichen Kontext gesehen viele spannende Fragen aufwirft. Abgesehen davon, dass es einfach auch ein wirklich unterhaltsamer Film ist. Das liegt auch an vielen der Darsteller und Darstellerinnen, die gerade auch in Sachen Subtilität der Regie in nichts nachstehen. Gerade Claude Colbert ist großartig, auch wenn ihr Strang im späteren Verlauf zwar dominanter aber nicht unbedingt interessanter wird. Doch der Film lebt von der Energie, der Wärme und dem Charme, mit dem sie ihre selbstbewusste Figur auf die Leinwand bringt. Auch diese Figur ist im Kontext ihrer Zeit gesehen in einigen Aspekten erfrischend modern angelegt und bekommt glücklicherweise auch noch ein Ende serviert, dass ihre Integrität intakt lässt. Gleichzeitig vermeiden das Drehbuch und Colbert es die meiste Zeit erfolgreich die Figur in den Szenen mit Delilah zu arrogant wirken zu lassen. Stattdessen lässt man Beatrice dort meist liebevolle und spielerische Wärme ausstrahlen, auch wenn diese mit einer eigentlich unverdienten und auf rassistischen Strukturen basierenden Machtposition daherkommt.

Am Ende wird jeder sein eigenes Urteil über den Film fällen müssen. Selbst die afroamerikanische Community war bei der Veröffentlichung 1934 damals in ihren Reaktionen gespalten. Während die eine Seite die überraschend zentralen Rollen zweier Afroamerikanerinnen in einer großen Hollywoodproduktion als Fortschritt ansahen, kritisierten andere die weitere Festigung von Klischees. Die Antwort liegt irgendwo dazwischen, doch zumindest eine Sache ist sicher: “Imitation of Life“ ist einer der interessantesten Filme der 1930er Jahre.

"Imitation of Life" ist aktuell als DVD und Blu-Ray auf Amazon in Deutschland verfügbar. Alternativ ist der Film auch auf der Webseite des Internet Archive kostenlos abrufbar.

Trailer des Films

Ausblick
In unserer nächsten Folge wird es thematisch nun wirklich nicht einfacher, stoßen wir schließlich dort auf das Thema der Judenverfolgung und jede Menge düstere Vorahnungen.

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Sorting Title

Imitation of Life

Sorting ABC

In der letzten Folge konnte man mit unseren trinkfesten Protagonisten in “Der dünne Mann“ einfach nur entspannt Spaß haben, die 1934er Version von “Imitation of Life“ sorgt heute dagegen für jede Menge nachdenkliche Blicke. Glücklicherweise aber im positiven Sinne auch wenn es ein paar Zeilen braucht um diese Meinung hier mit den nötigen Argumenten zu unterfüttern.

Oscar

Nominiert "Outstanding Production"

MOH (50): 7. Oscars 1935 - "Imitation of Life"

Der dünne Mann

matthias — Tue, 02 Apr 2024 06:54:59 +0000

Der dünne Mann

Matthias Kastl 2. April 2024 - 8:54

Originaltitel

The Thin Man

Genre

Komödie

Land

Jahr

1934

Regie

Cast

Laufzeit

91 min

Release Date

25. Mai 1934

Bewertung

Amazon Prime Video

Es kribbelt immer so ein bisschen wenn bei einem der Oscar-Jahrgänge einer dieser Titel auftaucht, den man vom Hörensagen kennt und der mehr verspricht als nur eine kleine Randnotiz in dieser Reihe zu sein. Angesichts steigender Vorfreude muss man dabei aber aufpassen die eigenen Erwartungen nicht in unfaire Höhen zu schrauben – sonst kann es leicht passieren, dass man etwas ernüchtert Filmgeschichte an sich vorüberziehen lassen muss. Genau solch eine Ernüchterung stellte sich bei mir bei der von vielen (damals wie heute) gefeierten Kriminalkomödie “Der dünne Mann“ ein.

Dabei gibt es durchaus nachvollziehbare Gründe, warum dieser Film noch heute eine besondere Stellung in der Filmgeschichte einnimmt. Mit seinen beiden extravaganten und sich ständig gegenseitig neckenden Hauptfiguren pfeift er auf sympathische Weise auf Genre-Konventionen des Jahres 1934 und verlieh dem bis dato stets schlecht gelaunt und düster daherkommenden Detektivfilm-Genre einen erfrischend-selbstironischen Anstrich. Nur besteht der Film leider eben aus mehr als nur zwei unglaublich charismatischen Hauptfiguren und gerade die unnötig verworrene Geschichte raubt dem Auftreten unseres charmanten Duos doch so deutlich an Dynamik, dass mein Applaus am Ende etwas gedämpfter als erhofft ausfällt.

Um zu verstehen was diesen Film aber doch auch so besonders macht muss man den Kontext der damaligen Zeit berücksichtigen. In der amerikanischen Kriminalliteratur der 1920er und 1930er Jahre stand oft der sogenannte Hardboiled Detective im Vordergrund – ein tougher, vom Leben gezeichneter und seine eigenen Vorstellungen von Recht und Ordnung (Selbstjustiz rules) durchsetzende Ermittler. Mit dem Antihelden Sam Spade gelang Autor Dashiell Hammett dabei eine der berühmtesten Figuren dieses Genres, auf die wir in dieser Reihe übrigens später im Klassiker “Die Spur des Falken“ auch noch treffen werden.

Ausgerechnet dieser Dashiell Hammett sollte nun aber in seinem letzten Roman “Der dünne Mann“ an einigen von ihm selbst etablierten Konventionen ordentlich rütteln. Seine Hauptfigur ist hier nämlich so gar kein Griesgram, sondern eher ein ordentlicher Partylöwe. So richtig Bock einen Kriminalfall zu lösen hat der bekannte Privatdetektiv Nick Charles (William Powell) nämlich gar nicht, lässt sich doch die Freizeit mit Feiern und jeder Menge Martini viel entspannter gestalten. Warum sollte er auch arbeiten, hat Nick doch die reiche Nora (Myrna Loy) geheiratet und kann es sich auf deren Kosten so richtig gut gehen lassen – und muss im Gegenzug nur ab und zu mal den gemeinsamen Hund Gassi führen. Nora wiederum findet Kriminalfälle aber ganz unterhaltsam, solange natürlich auch ihr Zeit für das ein oder andere höherprozentige Getränk bleibt.

Und so überzeugt Nora ihren Mann bei einem gemeinsamen Besuch in New York doch für den Entertainmentfaktor dem Fall des verschwundenen Wissenschaftlers Clyde Wynant nachzugehen. Halb motiviert und stets mit einem Fläschchen Alkohol in der Hand startet Nick etwas wiederwillig seine Ermittlungen und trifft bald auf jede Menge Verdächtige, wie Clydes Tochter Dorothy (Maureen O'Sullivan, “The Barretts of Wimpole Street“), dessen Geliebte Julia (Natalie Moorhead) oder Ex-Frau Mimi (Minna Gombell). Schnell taucht dann auch die erste Leiche auf und sowohl Nick als auch Nora wird klar, dass man für die Ermittlungen doch lieber noch mal den Kühlschrank auffüllen sollte.

Die beste Szene des Films fasst sehr gut zusammen warum gerade die Rolle von Nora in diesem Film schon fast als revolutionär bezeichnet werden kann. Zu spät zu einer Party kommend setzt sich unsere Millionärin zu ihrem Mann an den Tisch, um gemeinsam mit einem Gläschen Martini anzustoßen. Als sie aber erfährt, dass ihr Gatte schon fünf Martini Vorsprung hat lässt sie das nicht auf sich sitzen und teilt dem Ober mit, doch bitte gleich fünf weitere Martini an ihren Platz zu bringen – Saufen kann sie schließlich auch. Für eine weibliche Hauptfigur des Jahres 1934 eine schier aberwitzige und einfach coole Aktion – da hätte man wirklich gerne mal Mäuschen gespielt, wie diese Szene beim Publikum damals so angekommen ist.

Die besagte Szene im Video (am Ende des Clips)

Das hier Geschlechterklischees auf den Kopf gestellt werden zeigt sich aber nicht nur dadurch, dass es hier die Frau ist, die am Abend mit einem Kater im Bett liegt. Nora trink nicht nur kräftig mit, sie ist auch die mit der Kohle und füttert ihren Mann gewissermaßen durch. Eine für diese Zeit völlig untypische und unglaublich moderne Konstellation der Geschlechter, von der man sich hier sehr leicht begeistern lassen kann. Auch weil die gute Nora ihren stets um einen coolen Auftritt bemühten Ehemann so gar nicht ernst nimmt. Es ist wirklich eine Freude, wie die beiden sich ständig gegenseitig necken und dissen und sich gerade Nora dabei überhaupt nichts gefallen lässt. Die Chemie zwischen Powell und Loy ist dabei stets am Anschlag – sobald beide gleichzeitig im Raum sind knistert es. Und die Tatsache, dass die beiden eigentlich nichts und niemanden für voll nehmen (außer ihre Gläser) sorgt für eine wirklich sehr unterhaltsame Ermittlungsathmosphäre.

Wobei der Film nicht allen Klischees so ganz entkommen kann und am Ende dann doch meist den Mann die cleversten Schlussfolgerungen ziehen lässt. Frisch und unverbraucht wirkt es trotzdem und angesichts dessen könnte man es ja eigentlich verzeihen, dass der Kriminalfall selbst ziemlich uninspiriert und verworren daherkommt. Leider ist dieser aber mehr als nur ein unbedeutendes Hintergrundrauschen und stört unsere unterhaltsamen Ehe-Kabbeleien dann doch mehr als erwünscht. Gleich der Anfang des Filmes ist ein gutes Beispiel dafür, bei dem man uns die beiden zentralen Protagonisten für fast 20 Minuten komplett vorenthält und stattdessen auf eher verwirrende Art und Weise eben jenen Fall etabliert. Und gerade weil man sich soviel Mühe macht und zahlreiche Verdächtige präsentiert versucht man als Zuschauer hier dann auch fleissig aufzupassen und mitzurätseln, nichtsahnend, dass am Ende alles eigentlich komplett egal ist.

Auch im Mittelteil langweilt man sein Publikum immer wieder mit unnötigen Details zu einem spürbar lieblos geschriebenen Kriminalfall an dem ja selbst unser ermittelnder Detektiv nur notgedrungen Interesse hat. Da auch die Nebenfiguren sowohl schauspielerisch als auch in Sachen Dialogwitz hier und da schwächeln bremsen diese Passagen unser dynamisches Duo leider viel zu oft aus. Ob ein weinender Geschäftsmann, der unbedingt mit seiner Mutter telefonieren möchte oder Dorothys etwas trotteliger Bruder, einige angedachte Running Gags fallen so flach aus, dass sie nur mit sehr viel Wohlwollen zu ertragen sind.

Das der Motor hier trotz grandioser Hauptbesetzung einfach etwas unrund läuft zeigt auch das große Finale. Das steckt voller netter Dialogwechsel zwischen Nick und Nora, bietet einen großartigen Gag rund um einen Teller Nüsse und kombiniert dies mit einer nett gedachten Persiflage auf das typische Ende eines Agatha Christie Krimis. Doch wieder zieht man auch hier einen Running Gag unnötig in die Länge und beraubt sich so selbst eines richtig gelungenen Finales. Was angesichts zwei so toll angelegter und genauso überzeugend gespielter Hauptfiguren einfach verdammt ärgerlich ist. Spaß kann man mit “Der dünne Mann“ natürlich trotzdem noch haben und es ist durchaus verständlich, warum der Film damals so gut ankam und gleich mehrere Fortsetzungen nach sich zog. Der Begriff Genre-Meisterwerk kann meiner Meinung nach im Zusammenhang mit diesem Film aber nur mit einem großen “Aber“ fallen.

"Der dünne Mann" ist aktuell auf Prime Video, sowie DVD und Blu-Ray auf Amazon in Deutschland verfügbar.

Trailer zum Film

Ausblick
In unserer nächsten Folge gibt es jede Menge Diskussionspotential in dem wohl vielschichtigsten Oscarkandidaten der 7. Academy Awards.

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dünne Mann, Der

Sorting ABC

In der letzten Folge unserer Oscar-Reihe hatte der Ehrgeiz einer Opernsängerin die Handlung vorangetrieben, in “Der dünne Mann“ scheinen sich unsere Hauptfiguren dagegen eher entspannt treiben lassen zu wollen. Und das obwohl schon bald das Leben eines Menschen auf dem Spiel steht.

Oscar

Nominiert "Outstanding Production"

MOH (49): 7. Oscars 1935 - "Der dünne Mann"

Das leuchtende Ziel

matthias — Tue, 26 Mar 2024 07:30:09 +0000

Das leuchtende Ziel

Matthias Kastl 26. März 2024 - 8:30

Originaltitel

One Night of Love

Genre

Musical

Romantische Komödie

Land

Jahr

1934

Regie

Cast

Laufzeit

84 min

Release Date

15. September 1934

Bewertung

Karriere oder Liebe – vor dieser schwierigen Entscheidung standen die Menschen auch schon vor knapp 90 Jahren. Angesichts des Mitte der 1930er Jahre immer bedeutsamer werdenden Hays Code, der moralische Richtlinien für Filme in den USA definierte, standen die Chancen für die Selbstverwirklichung weibliche Filmfiguren in dieser Frage damals allerdings zunehmend ungünstig – schließlich sollten nach Meinung der Moralhüter des Landes Frauen möglichst nicht zu rebellisch daherkommen. Vermutlich ist so auch die ziemlich frustrierende Antwort zu erklären, die “Das leuchtende Ziel“ am Ende auf diese Frage nach einer eigentlich halbwegs ordentlichen Mentor-Schülerin-Storyline bereithält.

Der Zwiespalt in dem sich der Film am Ende befindet lässt sich bereits schon durch die unterschiedlichen Filmtitel im Englischen (“One Night of Love“) und Deutschen (“Das leuchtende Ziel“) aufzeigen. Das leuchtende Ziel, dass sich die Hauptfigur Mary Barrett (Grace Moore) hier vorgenommen hat, ist ein großer Opernstar zu werden. Dafür opfert sie all ihr Erspartes und zieht von New York nach Mailand, um dort ihre Karriere endlich in Gang zu bringen. Durch Zufall wird dort der berühmte Gesangslehrer Giulio Monteverdi (Tullio Carminati) auf deren Talent aufmerksam und nimmt Mary direkt unter seine nicht gerade sanften Fittiche – obwohl er seinen Lehrerjob nach einer unglücklichen Affäre mit seiner letzten Schülerin Lally (Mona Barrie) eigentlich an den Nagel hängen wollte. Zur Sicherheit einigt sich Giulio mit Mary im Vorfeld darum auf eine rein professionelle Arbeitsbeziehung, was wiederum deren eifersüchtigem Verehrer Bill (Lyle Talbot) sehr entgegenkommt. Und versprochen ist ja versprochen, oder etwa nicht?

Natürlich funkt hier die Liebe dazwischen, aber dazu kommen wir später. Über die meiste Zeit erwartet uns in “Das leuchtende Ziel“ nämlich kein Liebesfilm sondern stattdessen eher eine klassische Mentor-Schülerin-Beziehung. Auf der einen Seite die von Leidenschaft und Emotion getriebene Mary mit ihrem großen Traum, auf der anderen Seite der kühle Giulio der lieber auf Disziplin und die Perfektionierung von Basics setzt. Das ist vertrautes Storyterrain, wobei das Opern-Setting doch auch heute noch relativ unverbraucht und durchaus interessant daherkommt. Der Konflikt zwischen den beiden Künstlern wird allerdings die meiste Zeit relativ überraschungsfrei abgehandelt und hält eher wenige Höhepunkte bereit. Da unsere beiden Hauptdarsteller aber durchaus überzeugend auftreten ist das halbwegs verschmerzbar.

Mit Tullio Carminati steht hier sogar ein echter Italiener vor der Kamera. Eine passend zum Land getroffene Besetzung, was in dieser Zeit bei ausländischen Rollen in Hollywood ja eher selten war und stattdessen öfters in ungewollten Persiflagen endete. Carminati spielt dagegen den beinharten Mentor ziemlich überzeugend auch wenn man ihm nur bedingt den großen Frauenschwarm abnimmt, als der er zu Beginn des Filmes dargestellt wird. Grace Moore wiederum bringt tatsächlich eine Vergangenheit als Sopranistin am Broadway und ausreichend Charisma mit, um auch ihre Rolle überzeugend zu transportieren.

Da man die einzelnen Musikpassagen auch hier und da durchaus kreativ versucht in die Handlung einzubetten, zum Beispiel um damit eine hartnäckige Vermieterin vom Einkassieren der Miete abzuhalten, ist das ganze Treiben trotz Ermanglung an Höhepunkten eigentlich nett anzuschauen. Lediglich der Nebenplot rund um Marys Verehrer Bill ist schon sehr seichtes Kino. Das steht aber in keinem Verhältnis zu dem gruseligen Endspurt, den der Film am Schluss hinlegt. Eigentlich startet des Schlussdrittel vielversprechend, nämlich mit einer Schülerin, die gegen ihren Meister aufbegehrt und sich von ihrer wildesten Seite zeigt. Die Hoffnung auf eine unterhaltsame Dosis Feminismus ist aber eine gemeine Falle, denn der Film wirft jegliche guten Vorsätze über Bord und bastelt sich ein schreckliches Happy End, das in Sachen Charakterintegrität keine einzige der Hauptfiguren unbeschadet übersteht.

Warum Figuren nun auf einmal von der großen Liebe sprechen oder andere diese nun vollkommen kampflos aufgeben macht angesichts der Vorgeschichte überhaupt keinen Sinn und ist einfach nur ein schäbiger Weg zu einem unverdienten Gute-Laune-Finish. Zumindest kommen Opernfans noch in den Genuss einer minutenlangen Musiknummer aus Carmen, auch wenn ich hier nicht einschätzen kann wie überzeugend dieser tatsächlich gelungen ist (Grace Moore, die einige Jahr später bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kam, galt in Fachkreisen als zwar sehr gute aber nicht herausragende Opernsängerin). Was ich aber weiß, wer mit dieser Musik weniger anfangen kann wird bei dieser rein von der Bühne abgefilmten Performance vermutlich auch das eine oder andere Mal auf die Uhr blicken.

Durch das ziemlich misslungene Finish macht sich der Film leider einiges wieder kaputt, so dass man am Ende “Das leuchtende Ziel“ nicht wirklich empfehlen kann. Für Oscars in den Kategorien “Bester Ton“ und “Beste Filmmusik“ reichte es allerdings trotzdem und einen Technik-Preis konnte man ebenfalls noch einheimsen (für die Einführung der neuen Audio-Aufzeichnungstechnik Vertical Cut Disc Method). Zumindest Opernliebhaber könnten hier aber einen Blick riskieren, sollten sich aber am Besten auf das qualitative Absacken der Handlung gegen Ende einstellen.

"Das leuchtende Ziel" ist aktuell leider nicht als DVD auf Amazon in Deutschland verfügbar. Alternativ ist der Film aber im Internet zu finden.

Ausschnitt: Unsere Hauptfigur gibt ihre Fähigkeiten in einem Restaurant zum Besten.

Ausblick
In unserer nächsten Folge pulverisieren wir ein paar Detektivklischees der damaligen Zeit und trinken gemeinsam mit einem illustren Pärchen ordentlich einen über den Durst.

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leuchtende Ziel, Das

Sorting ABC

In der letzten Folge hatten wir es in “The Barretts of Wimpole Street" mit einem herrschsüchtigen Familienoberhaupt zu tun, nun treffen wir in “Das leuchtende Ziel“ auf einen knallharten Gesangslehrer. Der hat immerhin hehre Ziele im Blick, sorgt bei seiner Schülerin aber trotzdem für pure Verzweiflung.

Oscar

Nominiert "Outstanding Production"

MOH (48): 7. Oscars 1935 - "Das leuchtende Ziel"

Madame Web

rene — Wed, 20 Mar 2024 18:37:19 +0000

Madame Web

Kino

René Loch 20. März 2024 - 19:37

Kurz-Kritik

Originaltitel

Madame Web

Genre

Action

Comic

Land

Jahr

2024

Regie

Cast

Laufzeit

116 min

Release Date

14. Februar 2024

Bewertung

Sony Pictures

Cassandra Webb (Dakota Johnson) kann dank eines Vorfalls, der sich vor ihrer Geburt ereignet hat, in die Zukunft schauen. Sie nutzt diese Fähigkeit, um drei junge Frauen vor einem Mann zu beschützen, der diese umbringen möchte.

Das neueste Spin-off von „Spider-Man“ namens „Madame Web“ ist besser als erwartet, aber erwartungsgemäß auf vielen Ebenen dennoch eine Katastrophe. Die Dialoge klingen KI-generiert, der Humor ist zum Fremdschämen und die Motivation des Bösewichts gibt einmal mehr – wie zuvor schon bei „Morbius“ – allerhand Rätsel auf. Er scheint einfach böse zu sein, weil er böse sein möchte. Die sich permanent in alle Richtungen drehende Kamera möchte mit diesen Bewegungen vielleicht eine Spinne im Netz nachahmen, sorgt aber in Kombination mit den schnellen Schnitten nur dafür, dass einem bereits frühzeitig schlecht wird.

Gerüchten zufolge wurde die Handlung von „Madame Web“ im Rahmen von Nachdrehs einfach mal vom ursprünglich geplanten Jahr 1993 um zehn Jahre nach hinten verlegt. Wie chaotisch die gesamte Produktion gewesen sein muss, zeigt sich schon in den ersten Minuten, in denen bei einer konfrontativen Szene mit harten Zooms gearbeitet wird – ein Stilmittel, das man eher aus B-Movies kennt und das später im Film einfach nicht mehr auftaucht.

Bizarr ist auch das Ende, das offenbar einerseits die Funktion erfüllen soll, das Publikum mit einem guten Gefühl aus dem Saal zu entlassen, und andererseits bestimmte „Vorgaben“ aus den Comics integrieren möchte. Das Ergebnis ist, dass einem Charakter im Finale wirklich furchtbare Dinge zustoßen, die danach ganz einfach mit einem lockeren Spruch zum akzeptierten Zustand erklärt werden.

Dass der Film insgesamt keine Katastrophe ist, liegt vor allem an Dakota Johnson, dem Herz für Außenseiterinnen und einigen spannend inszenierten Momenten, die vermuten lassen, dass sich da vielleicht doch irgendwo ein potenziell unterhaltsamer Film versteckt haben könnte. Beispielhaft ist die Szene in einem Zug, in der Cassandra zum ersten Mal auf die drei Teenagerinnen trifft. Realität und Visionen sind für sie kaum auseinanderzuhalten, worunter Cassandra sichtlich leidet. In diesen Momenten passen die hektischen Schnitte tatsächlich zum Inhalt.

Im Gegensatz zu vielen total vergurkten Comic-Verfilmungen hat „Madame Web“ zumindest eine Protagonistin, mit der man sich einigermaßen identifizieren kann. Sie blickt aufgrund ihrer Lebensumstände zynisch auf die Welt, entscheidet sich dann aber dazu, Verantwortung zu übernehmen. Mangels physischer Superkräfte sind die vier jungen Frauen ihrem Verfolger zunächst ziemlich hilflos ausgeliefert. An der einen oder anderen Stelle sorgt das zumindest für ein bisschen Spannung. Man darf sich aber sicher sein, dass auf jede halbwegs spannende Szene wieder eine Szene folgt, deren Dialoge jegliche Atmosphäre killen. Dass hier die Drehbuchautoren von „Gods of Egypt“ am Werk waren, merkt man.

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Madame Web

Sorting ABC

Dream Scenario

matthias — Tue, 19 Mar 2024 21:33:12 +0000

Dream Scenario

Kino

Matthias Kastl 19. März 2024 - 22:33

Genre

Drama

Land

Jahr

2023

Regie

Cast

Laufzeit

102 min

Release Date

21. März 2024

Bewertung

DCM Film

Eigentlich hatte man Nicolas Cage ja bereits abgeschrieben. Aufgrund großer finanzieller Probleme hatte der Oscar-Gewinner von 1996 (für “Leaving Las Vegas“) seit etwa 2010 gefühlt einfach jede halbwegs lukrative Rolle angenommen, die ihm so vor die Flinte kam. Qualitätschecks waren bei diesem Vorgehen wohl eher hinderlich und so war Cage in dieser Zeit vor allem in teils gruseligen Direct-to-video-Produktionen anzutreffen. In den letzten Jahren war dank ein paar originellerer Indie-Werke, wie “Pig“ und “Massive Talent“, aber zumindest ein leichter Aufwärtstrend zu erkennen und genau dieser setzt sich mit “Dream Scenario“ nun erfreulicherweise fort. Unterstützt von einer cleveren Grundidee und einer einfallsreichen Inszenierung gelingt Cage nicht nur eine sehr überzeugende Schauspielleistung, sondern auch sein bester Film seit Jahren – auch wenn dem Drama gegen Ende ein klein wenig die Puste ausgeht.

Cage (“Adaptation“, “Das Vermächtnis der Tempelritter“) gibt in “Dream Scenario“ den biederen Professor für Biologie Paul Matthews, der ein denkbar unaufgeregtes Leben mit seiner Frau Janet (Julianne Nicholson) und seinen beiden Töchtern Sophie (Lily Bird) und Hannah (Jessica Clement) führt. Gerade seine beiden Töchter halten ihren Vater für ziemlich uncool, was sich aber schlagartig ändert, als Paul auf einmal in den Träumen fremder Menschen auftaucht. Schon bald spricht sich das merkwürdige Phänomen im ganzen Land herum und der unerwartete Ruhm beginnt das Selbstbewusstsein von Paul zu beflügeln. Stellt sich nur die Frage, ob dieses Phänomen nicht vielleicht doch auch so seine Schattenseiten haben könnte?

Hat es natürlich, doch in der ersten Hälfte von “Dream Scenario“ herrscht erst einmal eine eher fröhliche Stimmung. Die Geschichte hat ihren Spaß damit die etwas abgedrehte Grundidee liebevoll und mit einem sympathischen Augenzwinkern zu etablieren, um Stück für Stück ihrem eigentlich langweiligen Protagonisten den unerwarteten Ruhm zu bescheren. Cage geht wiederum sehr überzeugend in der Rolle des biederen Nerds auf, der zu Beginn erst einmal nichts wirklich auf die Reihe bekommt und mit seiner plötzlichen Bekanntheit auch erst völlig überfordert ist. Mit vielen kleinen Eigenheiten, gerade in Sachen Gestik und Mimik, schafft es Cage hier eine zwar irgendwie bemitleidenswerte aber nie lächerliche Figur zu etablieren, die man trotz ihrer Biederkeit dann doch irgendwie verstehen und durchaus mögen kann.

Dass “Dream Scenario“ gerade in der ersten Hälfte so gut funktioniert liegt aber auch an der Inszenierung. Regisseur und Drehbuchautor Kristoffer Borgli ruht sich nämlich nicht alleine auf einer coolen Grundidee und einem gut aufgelegten Hauptdarsteller aus, sondern sorgt auch mit seiner Inszenierung immer wieder für interessante Momente. So ist die Wahl mancher Kameraeinstellungen ziemlich clever und verstärkt geschickt den “Traumfaktor“ der Geschichte, dazu gesellt sich dann auch noch die eine oder andere wirklich kreativ umgesetzte Montage. Es wäre jetzt zwar zu viel behauptet, dass diese Kreativspritzer gleich zu einer meisterhaften Atmosphäre führen würden, aber sie verleihen dem ganzen Geschehen allemal eine interessante zusätzliche Ebene.

So kommt “Dream Scenario“ ziemlich schnell in einen sehr guten Flow, bei dem nur eine Frage dann doch im Hinterkopf immer wieder aufploppt: Wie schafft man es diese High-Concept-Idee zu einem halbwegs zufriedenstellenden Ende zu bringen? Bei der Beantwortung dieser Frage kommt der Film hintenraus leider ein klein wenig ins Schleudern. Dass man mit zunehmender Spieldauer in deutlich düstere Gefilde abdriftet ist dabei immer noch interessant und gut gelöst. Allerdings entscheidet man sich dann für ein Ende, das zwar an sich gut ist, allerdings nur über den Umweg eines neuen Storykniffs zu erreichen ist. Und genau dieser Kniff wirkt wie aus einem anderen Film, wird nicht wirklich überzeugend und ausführlich genug etabliert und beraubt dem Film so doch deutlich seinem bisher so angenehmen Flusses.

Das ist gerade angesichts der starken ersten Hälfte und dem interessanten Potential des zweiten Abschnitts schon sehr schade, da die eigentlich gelungene letzte Einstellung so einfach etwas an Wirkung verliert. Doch abgesehen von dieser Fehlentscheidung macht “Dream Scenario“ über weite Strecken viel richtig und so geht der Daumen am Ende dann doch deutlich nach oben. Und mit ihm hoffentlich auch die Karriere von Nicolas Cage. Der hatte 2022 übrigens verkündet endlich wieder schuldenfrei zu sein, und wenn das zu einer solchen deutlich überlegter wirkenden Rollenwahl führt, dann darf man einem möglichen größeren Comeback durchaus freudig entgegenblicken.

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3 Body Problem - Staffel 1

matthias — Tue, 19 Mar 2024 08:16:03 +0000

3 Body Problem - Staffel 1

Serien

Matthias Kastl 19. März 2024 - 9:16

Ein klein wenig haben sie einem ja doch leidgetan. Nach dem umstrittenen Finale von “Game of Thrones“ im Jahr 2019 prasselte jede Menge Hass auf die beiden Showrunner David Benioff und D. B. Weiss ein. Und so sehr die Enttäuschung der Fans über das vor allem viel zu überhastet wirkende Ende der Serie auch verständlich war, es bleibt doch festzuhalten, dass Benioff und Weiss über weite Strecken eine der beeindruckendsten Buchadaptionen der Seriengeschichte gelang. Grund genug, durchaus mit Vorfreude auf ihr neuestes Projekt zu blicken, auch da die beiden angesichts ihrer Stoffauswahl eine ordentliche Portion Mut beweisen.

Mit der Adaption der chinesischen Trisolaris-Trilogie steht man nämlich vor der selbst auferlegten Herausforderung, für Netflix genauso komplexe wie abgedrehte Sci-Fi-Ideen überzeugend auf den Bildschirm zu bringen. Nicht nur das, massentauglich sollte das Ergebnis angesichts eines Budgets von 20 Millionen Dollar pro Folge natürlich auch noch sein. Der Erfolg von beidem ist aber nach dem Anschauen aller acht Folgen der ersten Staffel von “3 Body Problem“ mehr als fraglich. Beim Versuch, den Spagat zwischen Hard Science Fiction und einfachem Entertainment zu schaffen, verhebt man sich hier nämlich deutlich und produziert ein frustrierendes “Weder Fisch noch Fleisch“-Produkt.

Wie auch bei “Game of Thrones“ nehmen sich Benioff und Weiss, die in ihrer Funktion als Showrunner noch von Alexander Woo unterstützt werden, für ihre Adaption ein paar kreative Freiheiten heraus. So werden, um den Zugang des westlichen Publikums zu der Story zu erleichtern, einige der asiatischen Figuren des Buches durch “westliche Protagonisten“ ersetzt. Und um die mehrere Jahrhunderte umspannende Geschichte leichter verdaulich zu machen, werden chronologisch am Beginn angesiedelte aber eigentlich erst im dritten Buch auftauchende Handlungsstränge nun schon in der ersten Staffel etabliert.

Ausgangspunkt der Story bleibt aber China und die chinesische Kulturrevolution in den 1960er Jahren. Nach der brutalen Ermordung ihres Vaters wird die Astrophysikerin Ye Wenjie auf eine mysteriöse Radarbasis versetzt, die von den chinesischen Behörden dazu genutzt wird, um einen möglichen Kontakt mit außerirdischen Wesen herzustellen. Genau das gelingt Ye Wenjie auch, die in ihrem Hilferuf ins All die einzige Chance sieht, die Menschen auf der Erde vor sich selbst zu retten. Jahrzehnte später sorgt in der Gegenwart das mysteriöse Ableben einiger der besten Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler der Welt für Beunruhigung bei deren Kollegen – unter anderem den vielversprechenden Nachwuchstalenten Jin (Jess Hong), Auggie (Eiza González) und Saul (Jovan Adepo). Mindestens genauso rätselhaft ist die Sache für den ermittelnden Polizisten Shi Qiang (Benedict Wong, "Dr. Strange"). Doch keiner von ihnen ahnt die unglaublichen Ausmaße hinter den Geschehnissen und welche Rolle dabei der noch immer lebenden Ye Wenjie zufällt.

Im Wesentlichen kann man das Erleben der ersten Staffel von “3 Body Problem“ in zwei Abschnitte unterteilen. In den ersten vier Folgen wird eine relative zähe Figurenentwicklung durch das Einstreuen durchaus interessanter Sci-Fi-Ideen zumindest zu gewissen Teilen abgefedert. In der zweiten Hälfte stellt sich die Hoffnung auf einen ordentlichen Payoff dieser kreativen Einfälle dann aber als frustrierender Trugschluss heraus. Dabei ist schon von Anfang an zu erahnen, dass der Versuch von “3 Body Problem“, Hard-Science-Fiction und einfaches Entertainment miteinander zu kombinieren (man will es ja allen recht machen), so seine Tücken haben könnte. Vor allem, wenn man seinem Publikum kaum Zeit gibt die durchaus komplexen Ideen auch mal sacken zu lassen.

Die mysteriösen Selbstmorde, rätselhafte Erscheinungen, ein scheinbar aus der Zukunft stammendes und philosophische Fragen aufwerfendes VR-Spiel – die ersten Folgen von “3 Body Problem“ bieten gefühlt Stoff für gleich mehrere Serien. Das Publikum hält man dabei über die genauen Hintergründe und Zusammenhänge dieser Vorkommnisse fast komplett im Dunkeln, so dass einige Zuschauerinnen und Zuschauer in den ersten Folgen erst mal verzweifelt nach Orientierung suchen dürften (es wäre interessant die Absprungquote nach den ersten beiden Folgen zu erfahren, die dürfte ziemlich hoch liegen). Sein Publikum derart zu fordern ist schon sehr mutig und spannend, funktioniert aber am Ende nur, wenn man auf zwei anderen Ebenen punkten kann. So braucht es interessante Figuren, mit denen man gerne durch diesen inhaltlichen Wildwuchs irrt, und natürlich das Vertrauen in einen durchdachten und cleveren Plan dahinter (“Lost“ hat in dieser Hinsicht ja einst verbrannte Erde hinterlassen).

Angesichts einer preisgekrönten Romanvorlage sollte man hier ja eigentlich positiv gestimmt sein. Doch schon nach den ersten beiden Folgen steigt die Skepsis angesichts eines nur mäßig faszinierenden Figurenkarussells. Da helfen auch die Schauspielleistungen nur bedingt weiter, denn außer Rosalind Chao und Jess Hong passiert in Sachen Charisma auf dem Bildschirm eher wenig. Gerade die Gruppe junger Wissenschaftler und Wissenschaftlerinnen kommt zum Großteil langweilig und leider auch unglaubwürdig daher. Es ist eben ein Unterschied, ob man einfach nur sagt jemand ist hochintelligent oder ob man diese Aussage auch noch mit Szenen überzeugend unterfüttert. So wird beispielsweise Auggie als brillant angepriesen, vom Drehbuch aber lieber in der Bar als im Labor gezeigt, während die Inszenierung vor allem damit beschäftigt ist ihre optischen Vorzüge zu betonen.

Dazu gesellen sich immer wieder Entscheidungen und Aussagen von Figuren, die weniger natürlich als viel mehr vom Drehbuch erzwungen wirken. So wirkt es wenig glaubwürdig, wenn Jin in einem Moment ihrem Kollegen klar macht, dass die angesprochene VR-Welt ein einziger Fake ist, nur um dann ein paar Sekunden später tief ergriffen vom Tod einer der dortigen virtuellen Charaktere zu sein. Solche Momente gibt es leider gehäuft, wobei Jin immer noch mit die gelungenste Figur ist, da sie sehr gut in die Haupthandlung integriert ist. Manche ihrer Kollegen haben mit dieser aber deutlich weniger Berührungspunkte, wie ein parallel dazu verlaufender Nebenstrang rund um das tragische Schicksal eines ihrer Freunde zeigt. Wäre dieser Strang interessant gestaltet, ließe sich die fehlende Verbindung zum Hauptplot ja verkraften, doch mehr als Standardfloskeln bieten die Dialoge dort leider nicht und so zieht sich gerade dieser Teil doch sehr in die Länge.

Genau hier liegt das Problem. Einem wenige Antworten aber viele Fragen und Puzzleteile zu servieren mag löblich erscheinen, doch angesichts schlampiger Charakterzeichnung sinkt schon bald das Vertrauen, dass all das am Ende auch wirklich intelligent zusammengeführt wird. Und während einem ein Roman die Zeit gibt komplexere Ideen auch in Ruhe zu reflektieren, reißt man hier Ideen oft nur kurz an und nimmt sich stattdessen lieber Zeit für banales Nebengeplänkel. Doch bekanntlich stirbt die Hoffnung ja zuletzt und dank manch bildgewaltiger Sequenzen (das hohe Budget ist hier auch wirklich auf dem Bildschirm zu sehen) und den ja zumindest im Ansatz coolen Ideen bleibt man zwar skeptisch, aber weiter neugierig. Und haben Arya, Tyrion und Co. nicht auch ein paar Folgen Anlauf gebraucht?

Dieser Hoffnung wird aber in der zweiten Hälfte der Staffel der Boden unter den Füßen weggezogen. Zum einen, weil nun so große Logiklücken auftreten, dass man es dem Drehbuch einfach nicht mehr verzeihen kann. Stellvertretend dafür sei ein extrem brutaler What-the-Fuck-Moment genannt, der zwar für spektakuläre Bilder aber auch jede Menge Kopfschütteln sorgt. Hatte man nicht gerade noch beschlossen möglichst diskret vorzugehen, um ja nicht sein Missionsziel zu gefährden? Und wieso fährt man mit einer hochgefährdeten Person alleine in die Wildnis, wenn man gerade noch darauf bestanden hat diese mit einem Großaufgebot an Polizisten zu beschützen? Solche schwer zu verdauenden Momente untergraben die vielgepriesene Intelligenz unserer zentralen Figuren doch deutlich. Doch wenigstens haben sie dieses Schicksal nicht für sich alleine. So macht auch das Vorgehen einer anderen Partei im weiteren Verlauf der Staffel ebenfalls immer weniger Sinn – und was sich zuerst als potentiell vielschichtiger Konflikt angekündigt hat wird schon bald zu einem sehr geradlinigen und allzu vertraut wirkenden Kampf von Gut gegen Böse.

Damit kann man natürlich auch Spaß haben. Aber angesichts der hochtrabenden Ideen fühlt es sich hier einfach wie ein unglaublich frustrierendes Downgrade an. Weil man offensichtlich weder die Mittel noch den Mut dazu besitzt seine großen Ideen konsequent und überzeugend umzusetzen. Und so passt es dann zu der Serie, dass man sich scheinbar weniger Gedanken darüber macht in sich schlüssiges World Building zu betreiben, dafür aber in einer späteren Folge erfolgreich gleich mehrere Wege findet, um Auggie so oft wie möglich leichtbekleidet ins Bild zu bekommen. So mag “3 Body Problem“ nach außen den Anschein verbreiten clever und fordernd zu sein, bei genauem Hinsehen bleibt davon (abgesehen von ein paar netten Ideen und coolen Effekten) aber nicht viel übrig. Und angesichts der Tatsache, dass nur noch zwei weitere Staffeln folgen werden, besteht auch nur wenig Hoffnung, dass es David Benioff und D. B. Weiss noch gelingen wird das Ruder herumzureißen.

Alle acht Folgen der ersten Staffel von “3 Body Problem“ sind ab dem 21. März 2024 exklusiv bei Netflix verfügbar.

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